December | 2012 | syahdaryakuza | Page 2 [PDF]

Dec 19, 2012 - 7 posts published by syahdarsaputra during December 2012.

6 downloads 28 Views 265KB Size

Recommend Stories


December 2012 No. 2
The greatest of richness is the richness of the soul. Prophet Muhammad (Peace be upon him)

Alumni Newsletter - December 2012.pdf
Learn to light a candle in the darkest moments of someone’s life. Be the light that helps others see; i

December 2017 – Page 2 – Splendid FTP Host [PDF]
5 days ago - Metode pengambilan sampel air pdf, Pengumpulan metode dokumentasi kuantitatif data, Metodo cientifico y sus pasos ejemplos, Metode osilasi ziegler ..... 28 palavras método fichas, Metodo practico de bandola llanera, Existe el metodo cie

BALTICA Volume 25 Number 2 December 2012
Be who you needed when you were younger. Anonymous

2012 of 12 December 2012
Never wish them pain. That's not who you are. If they caused you pain, they must have pain inside. Wish

Jura-2012-2.pdf
Respond to every call that excites your spirit. Rumi

Progress Report July - December 2012 - AIPMNH [PDF]
Perencanaan Partisipatif Pembangunan Masyarakat Desa Plus Penganggaran – Participatory Village Planning and. Budgeting. P4K. Program Perencanaan Persalinan dan Pencegahan Komplikasi (Birth Preparedness Planning Program). PCC. Provincial Coordinatin

December 2012 Cardinal Caller.pdf
Raise your words, not voice. It is rain that grows flowers, not thunder. Rumi

2012 Nr 3 December
Stop acting so small. You are the universe in ecstatic motion. Rumi

EMP Newsletter December 2012
Be grateful for whoever comes, because each has been sent as a guide from beyond. Rumi

Idea Transcript


syahdaryakuza A topnotch WordPress.com site Home

About Me

Search …

Monthly Archives: December 2012

kumpulan puisi william shakespeare

Search

Recent Posts

December 19, 2012 tagged kumpulan puisi william shakespeare, puisi william shakespeare | Leave a comment

Cara mempercepat koneksi internet di operamini (no title)

A Fairy Song

THE HISTORY OF TOLAKI TRIBES

Over hill, over dale,

cara cepat membuat papeda

Thorough bush, thorough brier,

kosakata dasar bahasa jepang

Over park, over pale, Thorough flood, thorough fire! I do wander everywhere,

Archives

Swifter than the moon’s sphere; And I serve the Fairy Queen, To dew her orbs upon the green;

July 2015

The cowslips tall her pensioners be;

April 2014

In their gold coats spots you see; Those be rubies, fairy favours;

December 2012

In those freckles live their savours; I must go seek some dewdrops here,

November 2012

And hang a pearl in every cowslip’s ear.

Categories



A Madrigal

Uncategorized

Crabbed Age and Youth

Meta

Cannot live together: Youth is full of pleasance, Age is full of care;

Register

Youth like summer morn, Age like winter weather;

Log in

Youth like summer brave,

Entries RSS

Age like winter bare: Youth is full of sports,

Comments RSS

Age’s breath is short,

WordPress.com

Youth is nimble, Age is lame: Youth is hot and bold, Age is weak and cold, Youth is wild, and Age is tame:Age, I do abhor thee; Youth, I do adore thee; O! my Love, my Love is young! Age, I do defy theeO sweet shepherd, hie thee, For methinks thou stay’st too long.

Aubade HARK! hark! the lark at heaven’s gate sings, And Phoebus ‘gins arise, His steeds to water at those springs On chaliced flowers that lies; And winking Mary-buds begin To ope their golden eyes: With everything that pretty bin, My lady sweet, arise! Arise, arise!

Bridal Song ROSES, their sharp spines being gone, Not royal in their smells alone, But in their hue; Maiden pinks, of odour faint, Daisies smell-less, yet most quaint,

Report this ad

And sweet thyme true; Primrose, firstborn child of Ver; Merry springtime’s harbinger, With her bells dim; Oxlips in their cradles growing, Marigolds on death-beds blowing, Larks’-heels trim; All dear Nature’s children sweet Lie ‘fore bride and bridegroom’s feet, Blessing their sense! Not an angel of the air, Bird melodious or bird fair, Be absent hence! The crow, the slanderous cuckoo, nor The boding raven, nor chough hoar, Nor chattering pye, May on our bride-house perch or sing, Or with them any discord bring, But from it fly!

Dirge COME away, come away, death, And in sad cypres let me be laid; Fly away, fly away, breath; I am slain by a fair cruel maid. My shroud of white, stuck all with yew, O prepare it! My part of death, no one so true Did share it. Not a flower, not a flower sweet, On my black coffin let there be strown; Not a friend, not a friend greet My poor corse, where my bones shall be thrown: A thousand thousand sighs to save, Lay me, O, where Sad true lover never find my grave To weep there!

Fairy Land iii COME unto these yellow sands, And then take hands: Court’sied when you have, and kiss’d,– The wild waves whist,– Foot it featly here and there; And, sweet sprites, the burthen bear. Hark, hark! Bow, wow, The watch-dogs bark: Bow, wow. Hark, hark! I hear The strain of strutting chanticleer Cry, Cock-a-diddle-dow!

Report this ad

Report this ad

BIOGRAPHY OF WILLIAM SHAKESPEARE December 19, 2012 tagged biography, biography of william shakepeare, william shakespeare | Leave a comment

Biography of William Shakespeare an English poet and playwright, widely regarded as the greatest writer in the English language and the world’s pre-eminent dramatist. He is often called England’s national poet and the “Bard of Avon”. His surviving works, including some collaborations, consist of about 38 plays, 154 sonnets, two long narrative poems, and several other poems. His plays have been translated into every major living language and are performed more often than those of any other playwright. Shakespeare was born and raised in Stratford-upon-Avon. At the age of 18, he married Anne Hathaway, with whom he had three children: Susanna, and twins Hamnet and Judith. Between 1585 and 1592, he began a successful career in London as an actor, writer, and part owner of a playing company called the Lord Chamberlain’s Men, later known as the King’s Men. He appears to have retired to Stratford around 1613 at age 49, where he died three years later. Few records of Shakespeare’s private life survive, and there has been considerable speculation about such matters as his physical appearance, sexuality, religious beliefs, and whether the works attributed to him were written by others. Shakespeare produced most of his known work between 1589 and 1613. His early plays were mainly comedies and histories, genres he raised to the peak of sophistication and artistry by the end of the 16th century. He then wrote mainly tragedies until about 1608, including Hamlet, King Lear, Othello, and Macbeth, considered some of the finest works in the English language. In his last phase, he wrote tragicomedies, also known as romances, and collaborated with other playwrights. Many of his plays were published in editions of varying quality and accuracy during his lifetime. In 1623, two of his former theatrical colleagues published the First Folio, a collected edition of his dramatic works that included all but two of the plays now recognised as Shakespeare’s. Shakespeare was a respected poet and playwright in his own day, but his reputation did not rise to its present heights until the 19th century. The Romantics, in particular, acclaimed Shakespeare’s genius, and the Victorians worshipped Shakespeare with a reverence that George Bernard Shaw called “bardolatry”. In the 20th century, his work was repeatedly adopted and rediscovered by new movements in scholarship and performance. His plays remain highly popular today and are constantly studied, performed and reinterpreted in diverse cultural and political contexts throughout the world. Life Early life William Shakespeare was the son of John Shakespeare, an alderman and a successful glover originally from Snitterfield, and Mary Arden, the daughter of an affluent landowning farmer. He was born in Stratford-upon-Avon and baptised there on 26 April 1564. His actual birthdate remains unknown, but is traditionally observed on 23 April, St George’s Day. This date, which can be traced back to an 18th-century scholar’s mistake, has proved appealing to biographers, since Shakespeare died 23 April 1616. He was the third child of eight and the eldest surviving son. Although no attendance records for the period survive, most biographers agree that Shakespeare was probably educated at the King’s New School in Stratford, a free school chartered in 1553, about a quarter-mile from his home. Grammar schools varied in quality during the Elizabethan era, but the curriculum was dictated by law throughout England, and the school would have provided an intensive education in Latin grammar and the classics. At the age of 18, Shakespeare married the 26-year-old Anne Hathaway. The consistory court of the Diocese of Worcester issued a marriage licence 27 November 1582. The next day two of Hathaway’s neighbours posted bonds guaranteeing that no lawful claims impeded the marriage. The ceremony may have been arranged in some haste, since the Worcester chancellor allowed the marriage banns to be read once instead of the usual three times, and six months after the marriage Anne gave birth to a daughter, Susanna, baptised 26 May 1583. Twins, son Hamnet and daughter Judith, followed almost two years later and were baptised 2 February 1585. Hamnet died of unknown causes at the age of 11 and was buried 11 August 1596. After the birth of the twins, Shakespeare left few historical traces until he is mentioned as part of the London theatre scene in 1592, and scholars refer to the years between 1585 and 1592 as Shakespeare’s “lost years”. Biographers attempting to account for this period have reported many apocryphal stories. Nicholas Rowe, Shakespeare’s first biographer, recounted a Stratford legend that Shakespeare fled the town for London to escape prosecution for deer poaching in the estate of local squire Thomas Lucy. Shakespeare is also supposed to have taken his revenge on Lucy by writing a scurrilous ballad about him. Another 18th-century story has Shakespeare starting his theatrical career minding the horses of theatre patrons in London. John Aubrey reported that Shakespeare had been a country schoolmaster. Some 20th-century scholars have suggested that Shakespeare may have been employed as a schoolmaster by Alexander Hoghton of Lancashire, a Catholic landowner who named a certain “William Shakeshafte” in his will. No evidence substantiates such stories other than hearsay collected after his death, and Shakeshafte was a common name in the Lancashire area. London and Theatrical Career It is not known exactly when Shakespeare began writing, but contemporary allusions and records of performances show that several of his plays were on the London stage by 1592. He was well enough known in London by then to be attacked in print by the playwright Robert Greene in his Groats-Worth of Wit: …there is an upstart Crow, beautified with our feathers, that with his Tiger’s heart wrapped in a Player’s hide, supposes he is as well able to bombast out a blank verse as the best of you: and being an absolute Johannes factotum, is in his own conceit the only Shake-scene in a country. Scholars differ on the exact meaning of these words, but most agree that Greene is accusing Shakespeare of reaching above his rank in trying to match university-educated writers such as Christopher Marlowe, Thomas Nashe and Greene himself (the “university wits”). The italicised phrase parodying the line “Oh, tiger’s heart wrapped in a woman’s hide” from Shakespeare’s Henry VI, Part 3, along with the pun “Shake-scene”, identifies Shakespeare as Greene’s target. Here Johannes Factotum—”Jack of all trades”— means a second-rate tinkerer with the work of others, rather than the more common “universal genius”. Greene’s attack is the earliest surviving mention of Shakespeare’s career in the theatre. Biographers suggest that his career may have begun any time from the mid-1580s to just before Greene’s remarks. From 1594, Shakespeare’s plays were performed only by the Lord Chamberlain’s Men, a company owned by a group of players, including Shakespeare, that soon became the leading playing company in London. After the death of Queen Elizabeth in 1603, the company was awarded a royal patent by the new king, James I, and changed its name to the King’s Men. In 1599, a partnership of company members built their own theatre on the south bank of the River Thames, which they called the Globe. In 1608, the partnership also took over the Blackfriars indoor theatre. Records of Shakespeare’s property purchases and investments indicate that the company made him a wealthy man. In 1597, he bought the second-largest house in Stratford, New Place, and in 1605, he invested in a share of the parish tithes in Stratford. Some of Shakespeare’s plays were published in quarto editions from 1594. By 1598, his name had become a selling point and began to appear on the title pages. Shakespeare continued to act in his own and other plays after his success as a playwright. The 1616 edition of Ben Jonson’s Works names him on the cast lists for Every Man in His Humour (1598) and Sejanus His Fall (1603). The absence of his name from the 1605 cast list for Jonson’s Volpone is taken by some scholars as a sign that his acting career was nearing its end. The First Folio of 1623, however, lists Shakespeare as one of “the Principal Actors in all these Plays”, some of which were first staged after Volpone, although we cannot know for certain which roles he played. In 1610, John Davies of Hereford wrote that “good Will” played “kingly” roles. In 1709, Rowe passed down a tradition that Shakespeare played the ghost of Hamlet’s father. Later traditions maintain that he also played Adam in As You Like It and the Chorus in Henry V, though scholars doubt the sources of the information. Shakespeare divided his time between London and Stratford during his career. In 1596, the year before he bought New Place as his family home in Stratford, Shakespeare was living in the parish of St. Helen’s, Bishopsgate, north of the River Thames. He moved across the river to Southwark by 1599, the year his company constructed the Globe Theatre there. By 1604, he had moved north of the river again, to an area north of St Paul’s Cathedral with many fine houses. There he rented rooms from a French Huguenot called Christopher Mountjoy, a maker of ladies’ wigs and other headgear. Later Years and Death Rowe was the first biographer to pass down the tradition that Shakespeare retired to Stratford some years before his death; but retirement from all work was uncommon at that time; and Shakespeare continued to visit London. In 1612 he was called as a witness in a court case concerning the marriage settlement of Mountjoy’s daughter, Mary. In March 1613 he bought a gatehouse in the former Blackfriars priory; and from November 1614 he was in London for several weeks with his son-in-law, John Hall. After 1606–1607, Shakespeare wrote fewer plays, and none are attributed to him after 1613. His last three plays were collaborations, probably with John Fletcher, who succeeded him as the house playwright for the King’s Men. Shakespeare died on 23 April 1616 and was survived by his wife and two daughters. Susanna had married a physician, John Hall, in 1607, and Judith had married Thomas Quiney, a vintner, two months before Shakespeare’s death. In his will, Shakespeare left the bulk of his large estate to his elder daughter Susanna. The terms instructed that she pass it down intact to “the first son of her body”. The Quineys had three children, all of whom died without marrying. The Halls had one child, Elizabeth, who married twice but died without children in 1670, ending Shakespeare’s direct line. Shakespeare’s will scarcely mentions his wife, Anne, who was probably entitled to one third of his estate automatically. He did make a point, however, of leaving her “my second best bed”, a bequest that has led to much speculation. Some scholars see the bequest as an insult to Anne, whereas others believe that the second-best bed would have been the matrimonial bed and therefore rich in significance. Shakespeare was buried in the chancel of the Holy Trinity Church two days after his death. The epitaph carved into the stone slab covering his grave includes a curse against moving his bones, which was carefully avoided during restoration of the church in 2008: Good frend for Iesvs sake forbeare, To digg the dvst encloased heare. Bleste be ye man yt spares thes stones, And cvrst be he yt moves my bones. Modern spelling: “Good friend, for Jesus’ sake forbear,” “To dig the dust enclosed here.” “Blessed be the man that spares these stones,” “And cursed be he who moves my bones.” Sometime before 1623, a funerary monument was erected in his memory on the north wall, with a half-effigy of him in the act of writing. Its plaque compares him to Nestor, Socrates, and Virgil. In 1623, in conjunction with the publication of the First Folio, the Droeshout engraving was published. Shakespeare has been commemorated in many statues and memorials around the world, including funeral monuments in Southwark Cathedral and Poets’ Corner in Westminster Abbey. Plays Most playwrights of the period typically collaborated with others at some point, and critics agree that Shakespeare did the same, mostly early and late in his career. Some attributions, such as Titus Andronicus and the early history plays, remain controversial, while The Two Noble Kinsmen and the lost Cardenio have well-attested contemporary documentation. Textual evidence also supports the view that several of the plays were revised by other writers after their original composition. The first recorded works of Shakespeare are Richard III and the three parts of Henry VI, written in the early 1590s during a vogue for historical drama. Shakespeare’s plays are difficult to date, however, and studies of the texts suggest that Titus Andronicus, The Comedy of Errors, The Taming of the Shrew and The Two Gentlemen of Verona may also belong to Shakespeare’s earliest period. His first histories, which draw heavily on the 1587 edition of Raphael Holinshed’s Chronicles of England, Scotland, and Ireland, dramatise the destructive results of weak or corrupt rule and have been interpreted as a justification for the origins of the Tudor dynasty. The early plays were influenced by the works of other Elizabethan dramatists, especially Thomas Kyd and Christopher Marlowe, by the traditions of medieval drama, and by the plays of Seneca. The Comedy of Errors was also based on classical models, but no source for The Taming of the Shrew has been found, though it is related to a separate play of the same name and may have derived from a folk story. Like The Two Gentlemen of Verona, in which two friends appear to approve of rape, the Shrew’s story of the taming of a woman’s independent spirit by a man sometimes troubles modern critics and directors. Shakespeare’s early classical and Italianate comedies, containing tight double plots and precise comic sequences, give way in the mid-1590s to the romantic atmosphere of his greatest comedies. A Midsummer Night’s Dream is a witty mixture of romance, fairy magic, and comic lowlife scenes. Shakespeare’s next comedy, the equally romantic Merchant of Venice, contains a portrayal of the vengeful Jewish moneylender Shylock, which reflects Elizabethan views but may appear derogatory to modern audiences. The wit and wordplay of Much Ado About Nothing, the charming rural setting of As You Like It, and the lively merrymaking of Twelfth Night complete Shakespeare’s sequence of great comedies. After the lyrical Richard II, written almost entirely in verse, Shakespeare introduced prose comedy into the histories of the late 1590s, Henry IV, parts 1 and 2, and Henry V. His characters become more complex and tender as he switches deftly between comic and serious scenes, prose and poetry, and achieves the narrative variety of his mature work. This period begins and ends with two tragedies: Romeo and Juliet, the famous romantic tragedy of sexually charged adolescence, love, and death; and Julius Caesar—based on Sir Thomas North’s 1579 translation of Plutarch’s Parallel Lives—which introduced a new kind of drama. According to Shakespearean scholar James Shapiro, in Julius Caesar “the various strands of politics, character, inwardness, contemporary events, even Shakespeare’s own reflections on the act of writing, began to infuse each other”. In the early 17th century, Shakespeare wrote the so-called “problem plays” Measure for Measure, Troilus and Cressida, and All’s Well That Ends Well and a number of his best known tragedies. Many critics believe that Shakespeare’s greatest tragedies represent the peak of his art. The titular hero of one of Shakespeare’s most famous tragedies, Hamlet, has probably been discussed more than any other Shakespearean character, especially for his famous soliloquy “To be or not to be; that is the question”. Unlike the introverted Hamlet, whose fatal flaw is hesitation, the heroes of the tragedies that followed, Othello and King Lear, are undone by hasty errors of judgement. The plots of Shakespeare’s tragedies often hinge on such fatal errors or flaws, which overturn order and destroy the hero and those he loves. In Othello, the villain Iago stokes Othello’s sexual jealousy to the point where he murders the innocent wife who loves him. In King Lear, the old king commits the tragic error of giving up his powers, initiating the events which lead to the torture and blinding of the Earl of Gloucester and the murder of Lear’s youngest daughter Cordelia. According to the critic Frank Kermode, “the play offers neither its good characters nor its audience any relief from its cruelty”. In Macbeth, the shortest and most compressed of Shakespeare’s tragedies, uncontrollable ambition incites Macbeth and his wife, Lady Macbeth, to murder the rightful king and usurp the throne, until their own guilt destroys them in turn. In this play, Shakespeare adds a supernatural element to the tragic structure. His last major tragedies, Antony and Cleopatra and Coriolanus, contain some of Shakespeare’s finest poetry and were considered his most successful tragedies by the poet and critic T. S. Eliot. In his final period, Shakespeare turned to romance or tragicomedy and completed three more major plays: Cymbeline, The Winter’s Tale and The Tempest, as well as the collaboration, Pericles, Prince of Tyre. Less bleak than the tragedies, these four plays are graver in tone than the comedies of the 1590s, but they end with reconciliation and the forgiveness of potentially tragic errors. Some commentators have seen this change in mood as evidence of a more serene view of life on Shakespeare’s part, but it may merely reflect the theatrical fashion of the day. Shakespeare collaborated on two further surviving plays, Henry VIII and The Two Noble Kinsmen, probably with John Fletcher. Performances It is not clear for which companies Shakespeare wrote his early plays. The title page of the 1594 edition of Titus Andronicus reveals that the play had been acted by three different troupes. After the plagues of 1592–3, Shakespeare’s plays were performed by his own company at The Theatre and the Curtain in Shoreditch, north of the Thames. Londoners flocked there to see the first part of Henry IV, Leonard Digges recording, “Let but Falstaff come, Hal, Poins, the rest…and you scarce shall have a room”.] When the company found themselves in dispute with their landlord, they pulled The Theatre down and used the timbers to construct the Globe Theatre, the first playhouse built by actors for actors, on the south bank of the Thames at Southwark. The Globe opened in autumn 1599, with Julius Caesar one of the first plays staged. Most of Shakespeare’s greatest post-1599 plays were written for the Globe, including Hamlet, Othello and King Lear. After the Lord Chamberlain’s Men were renamed the King’s Men in 1603, they entered a special relationship with the new King James. Although the performance records are patchy, the King’s Men performed seven of Shakespeare’s plays at court between 1 November 1604 and 31 October 1605, including two performances of The Merchant of Venice. After 1608, they performed at the indoor Blackfriars Theatre during the winter and the Globe during the summer. The indoor setting, combined with the Jacobean fashion for lavishly staged masques, allowed Shakespeare to introduce more elaborate stage devices. In Cymbeline, for example, Jupiter descends “in thunder and lightning, sitting upon an eagle: he throws a thunderbolt. The ghosts fall on their knees.” The actors in Shakespeare’s company included the famous Richard Burbage, William Kempe, Henry Condell and John Heminges. Burbage played the leading role in the first performances of many of Shakespeare’s plays, including Richard III, Hamlet, Othello, and King Lear. The popular comic actor Will Kempe played the servant Peter in Romeo and Juliet and Dogberry in Much Ado About Nothing, among other characters. He was replaced around the turn of the 16th century by Robert Armin, who played roles such as Touchstone in As You Like It and the fool in King Lear. In 1613, Sir Henry Wotton recorded that Henry VIII “was set forth with many extraordinary circumstances of pomp and ceremony”. On 29 June, however, a cannon set fire to the thatch of the Globe and burned the theatre to the ground, an event which pinpoints the date of a Shakespeare play with rare precision. Textual Sources In 1623, John Heminges and Henry Condell, two of Shakespeare’s friends from the King’s Men, published the First Folio, a collected edition of Shakespeare’s plays. It contained 36 texts, including 18 printed for the first time. Many of the plays had already appeared in quarto versions—flimsy books made from sheets of paper folded twice to make four leaves. No evidence suggests that Shakespeare approved these editions, which the First Folio describes as “stol’n and surreptitious copies”. Alfred Pollard termed some of them “bad quartos” because of their adapted, paraphrased or garbled texts, which may in places have been reconstructed from memory. Where several versions of a play survive, each differs from the other. The differences may stem from copying or printing errors, from notes by actors or audience members, or from Shakespeare’s own papers. In some cases, for example Hamlet, Troilus and Cressida and Othello, Shakespeare could have revised the texts between the quarto and folio editions. In the case of King Lear, however, while most modern additions do conflate them, the 1623 folio version is so different from the 1608 quarto, that the Oxford Shakespeare prints them both, arguing that they cannot be conflated without confusion. Poems In 1593 and 1594, when the theatres were closed because of plague, Shakespeare published two narrative poems on erotic themes, Venus and Adonis and The Rape of Lucrece. He dedicated them to Henry Wriothesley, Earl of Southampton. In Venus and Adonis, an innocent Adonis rejects the sexual advances of Venus; while in The Rape of Lucrece, the virtuous wife Lucrece is raped by the lustful Tarquin. Influenced by Ovid’s Metamorphoses, the poems show the guilt and moral confusion that result from uncontrolled lust. Both proved popular and were often reprinted during Shakespeare’s lifetime. A third narrative poem, A Lover’s Complaint, in which a young woman laments her seduction by a persuasive suitor, was printed in the first edition of the Sonnets in 1609. Most scholars now accept that Shakespeare wrote A Lover’s Complaint. Critics consider that its fine qualities are marred by leaden effects. The Phoenix and the Turtle, printed in Robert Chester’s 1601 Love’s Martyr, mourns the deaths of the legendary phoenix and his lover, the faithful turtle dove. In 1599, two early drafts of sonnets 138 and 144 appeared in The Passionate Pilgrim, published under Shakespeare’s name but without his permission. Sonnets Published in 1609, the Sonnets were the last of Shakespeare’s non-dramatic works to be printed. Scholars are not certain when each of the 154 sonnets was composed, but evidence suggests that Shakespeare wrote sonnets throughout his career for a private readership. Even before the two unauthorised sonnets appeared in The Passionate Pilgrim in 1599, Francis Meres had referred in 1598 to Shakespeare’s “sugred Sonnets among his private friends”. Few analysts believe that the published collection follows Shakespeare’s intended sequence. He seems to have planned two contrasting series: one about uncontrollable lust for a married woman of dark complexion (the “dark lady”), and one about conflicted love for a fair young man (the “fair youth”). It remains unclear if these figures represent real individuals, or if the authorial “I” who addresses them represents Shakespeare himself, though Wordsworth believed that with the sonnets “Shakespeare unlocked his heart”. The 1609 edition was dedicated to a “Mr. W.H.”, credited as “the only begetter” of the poems. It is not known whether this was written by Shakespeare himself or by the publisher, Thomas Thorpe, whose initials appear at the foot of the dedication page; nor is it known who Mr. W.H. was, despite numerous theories, or whether Shakespeare even authorised the publication. Critics praise the Sonnets as a profound meditation on the nature of love, sexual passion, procreation, death, and time. Style Shakespeare’s first plays were written in the conventional style of the day. He wrote them in a stylised language that does not always spring naturally from the needs of the characters or the drama. The poetry depends on extended, sometimes elaborate metaphors and conceits, and the language is often rhetorical—written for actors to declaim rather than speak. The grand speeches in Titus Andronicus, in the view of some critics, often hold up the action, for example; and the verse in The Two Gentlemen of Verona has been described as stilted. Soon, however, Shakespeare began to adapt the traditional styles to his own purposes. The opening soliloquy of Richard III has its roots in the self-declaration of Vice in medieval drama. At the same time, Richard’s vivid selfawareness looks forward to the soliloquies of Shakespeare’s mature plays. No single play marks a change from the traditional to the freer style. Shakespeare combined the two throughout his career, with Romeo and Juliet perhaps the best example of the mixing of the styles. By the time of Romeo and Juliet, Richard II, and A Midsummer Night’s Dream in the mid-1590s, Shakespeare had begun to write a more natural poetry. He increasingly tuned his metaphors and images to the needs of the drama itself. Shakespeare’s standard poetic form was blank verse, composed in iambic pentameter. In practice, this meant that his verse was usually unrhymed and consisted of ten syllables to a line, spoken with a stress on every second syllable. The blank verse of his early plays is quite different from that of his later ones. It is often beautiful, but its sentences tend to start, pause, and finish at the end of lines, with the risk of monotony. Once Shakespeare mastered traditional blank verse, he began to interrupt and vary its flow. This technique releases the new power and flexibility of the poetry in plays such as Julius Caesar and Hamlet. Shakespeare uses it, for example, to convey the turmoil in Hamlet’s mind: Sir, in my heart there was a kind of fighting That would not let me sleep. Methought I lay Worse than the mutines in the bilboes. Rashly— And prais’d be rashness for it—let us know Our indiscretion sometimes serves us well… Hamlet, Act 5, Scene 2, 4–8 After Hamlet, Shakespeare varied his poetic style further, particularly in the more emotional passages of the late tragedies. The literary critic A. C. Bradley described this style as “more concentrated, rapid, varied, and, in construction, less regular, not seldom twisted or elliptical”. In the last phase of his career, Shakespeare adopted many techniques to achieve these effects. These included run-on lines, irregular pauses and stops, and extreme variations in sentence structure and length. In Macbeth, for example, the language darts from one unrelated metaphor or simile to another: “was the hope drunk/ Wherein you dressed yourself?” (1.7.35–38); “…pity, like a naked new-born babe/ Striding the blast, or heaven’s cherubim, hors’d/ Upon the sightless couriers of the air…” (1.7.21–25). The listener is challenged to complete the sense. The late romances, with their shifts in time and surprising turns of plot, inspired a last poetic style in which long and short sentences are set against one another, clauses are piled up, subject and object are reversed, and words are omitted, creating an effect of spontaneity. Shakespeare combined poetic genius with a practical sense of the theatre. Like all playwrights of the time, he dramatised stories from sources such as Plutarch and Holinshed. He reshaped each plot to create several centres of interest and to show as many sides of a narrative to the audience as possible. This strength of design ensures that a Shakespeare play can survive translation, cutting and wide interpretation without loss to its core drama. As Shakespeare’s mastery grew, he gave his characters clearer and more varied motivations and distinctive patterns of speech. He preserved aspects of his earlier style in the later plays, however. In Shakespeare’s late romances, he deliberately returned to a more artificial style, which emphasised the illusion of theatre. Influence Shakespeare’s work has made a lasting impression on later theatre and literature. In particular, he expanded the dramatic potential of characterisation, plot, language, and genre. Until Romeo and Juliet, for example, romance had not been viewed as a worthy topic for tragedy. Soliloquies had been used mainly to convey information about characters or events; but Shakespeare used them to explore characters’ minds. His work heavily influenced later poetry. The Romantic poets attempted to revive Shakespearean verse drama, though with little success. Critic George Steiner described all English verse dramas from Coleridge to Tennyson as “feeble variations on Shakespearean themes.” Shakespeare influenced novelists such as Thomas Hardy, William Faulkner, and Charles Dickens. The American novelist Herman Melville’s soliloquies owe much to Shakespeare; his Captain Ahab in Moby-Dick is a classic tragic hero, inspired by King Lear. Scholars have identified 20,000 pieces of music linked to Shakespeare’s works. These include two operas by Giuseppe Verdi, Otello and Falstaff, whose critical standing compares with that of the source plays. Shakespeare has also inspired many painters, including the Romantics and the Pre-Raphaelites. The Swiss Romantic artist Henry Fuseli, a friend of William Blake, even translated Macbeth into German. The psychoanalyst Sigmund Freud drew on Shakespearean psychology, in particular that of Hamlet, for his theories of human nature. In Shakespeare’s day, English grammar, spelling and pronunciation were less standardised than they are now, and his use of language helped shape modern English. Samuel Johnson quoted him more often than any other author in his A Dictionary of the English Language, the first serious work of its type. Expressions such as “with bated breath” (Merchant of Venice) and “a foregone conclusion” (Othello) have found their way into everyday English speech. Critical Reputation Shakespeare was not revered in his lifetime, but he received his share of praise. In 1598, the cleric and author Francis Meres singled him out from a group of English writers as “the most excellent” in both comedy and tragedy. And the authors of the Parnassus plays at St John’s College, Cambridge, numbered him with Chaucer, Gower and Spenser. In the First Folio, Ben Jonson called Shakespeare the “Soul of the age, the applause, delight, the wonder of our stage”, though he had remarked elsewhere that “Shakespeare wanted art”. Between the Restoration of the monarchy in 1660 and the end of the 17th century, classical ideas were in vogue. As a result, critics of the time mostly rated Shakespeare below John Fletcher and Ben Jonson. Thomas Rymer, for example, condemned Shakespeare for mixing the comic with the tragic. Nevertheless, poet and critic John Dryden rated Shakespeare highly, saying of Jonson, “I admire him, but I love Shakespeare”. For several decades, Rymer’s view held sway; but during the 18th century, critics began to respond to Shakespeare on his own terms and acclaim what they termed his natural genius. A series of scholarly editions of his work, notably those of Samuel Johnson in 1765 and Edmond Malone in 1790, added to his growing reputation. By 1800, he was firmly enshrined as the national poet. In the 18th and 19th centuries, his reputation also spread abroad. Among those who championed him were the writers Voltaire, Goethe, Stendhal and Victor Hugo. During the Romantic era, Shakespeare was praised by the poet and literary philosopher Samuel Taylor Coleridge; and the critic August Wilhelm Schlegel translated his plays in the spirit of German Romanticism. In the 19th century, critical admiration for Shakespeare’s genius often bordered on adulation. “That King Shakespeare,” the essayist Thomas Carlyle wrote in 1840, “does not he shine, in crowned sovereignty, over us all, as the noblest, gentlest, yet strongest of rallying signs; indestructible”. The Victorians produced his plays as lavish spectacles on a grand scale. The playwright and critic George Bernard Shaw mocked the cult of Shakespeare worship as “bardolatry”. He claimed that the new naturalism of Ibsen’s plays had made Shakespeare obsolete. The modernist revolution in the arts during the early 20th century, far from discarding Shakespeare, eagerly enlisted his work in the service of the avant-garde. The Expressionists in Germany and the Futurists in Moscow mounted productions of his plays. Marxist playwright and director Bertolt Brecht devised an epic theatre under the influence of Shakespeare. The poet and critic T. S. Eliot argued against Shaw that Shakespeare’s “primitiveness” in fact made him truly modern. Eliot, along with G. Wilson Knight and the school of New Criticism, led a movement towards a closer reading of Shakespeare’s imagery. In the 1950s, a wave of new critical approaches replaced modernism and paved the way for “post-modern” studies of Shakespeare. By the eighties, Shakespeare studies were open to movements such as structuralism, feminism, New Historicism, African American studies, and queer studies. Speculation about Shakespeare Authorship Main article: Shakespeare authorship question Around 150 years after Shakespeare’s death, doubts began to be expressed about the authorship of the works attributed to him. Proposed alternative candidates include Francis Bacon, Christopher Marlowe, and Edward de Vere, 17th Earl of Oxford. Several “group theories” have also been proposed. Only a small minority of academics believe there is reason to question the traditional attribution, but interest in the subject, particularly the Oxfordian theory of Shakespeare authorship, continues into the 21st century. Religion Some scholars claim that members of Shakespeare’s family were Catholics, at a time when Catholic practice was against the law. Shakespeare’s mother, Mary Arden, certainly came from a pious Catholic family. The strongest evidence might be a Catholic statement of faith signed by John Shakespeare, found in 1757 in the rafters of his former house in Henley Street. The document is now lost, however, and scholars differ as to its authenticity. In 1591 the authorities reported that John Shakespeare had missed church “for fear of process for debt”, a common Catholic excuse. In 1606 the name of William’s daughter Susanna appears on a list of those who failed to attend Easter communion in Stratford. Scholars find evidence both for and against Shakespeare’s Catholicism in his plays, but the truth may be impossible to prove either way. Sexuality Few details of Shakespeare’s sexuality are known. At 18, he married the 26-year-old Anne Hathaway, who was pregnant. Susanna, the first of their three children, was born six months later on 26 May 1583. Over the centuries some readers have posited that Shakespeare’s sonnets are autobiographical, and point to them as evidence of his love for a young man. Others read the same passages as the expression of intense friendship rather than sexual love. The 26 so-called “Dark Lady” sonnets, addressed to a married woman, are taken as evidence of heterosexual liaisons. Portraiture There is no written description of Shakespeare’s physical appearance and no evidence that he ever commissioned a portrait, so the Droeshout engraving, which Ben Jonson approved of as a good likeness, and his Stratford monument provide the best evidence of his appearance. From the 18th century, the desire for authentic Shakespeare portraits fuelled claims that various surviving pictures depicted Shakespeare. That demand also led to the production of several fake portraits, as well as misattributions, repaintings and relabelling of portraits of other people. William Shakespeare’s Published Books: List of Works Classification of The Plays Shakespeare’s works include the 36 plays printed in the First Folio of 1623, listed below according to their folio classification as comedies, histories and tragedies. Two plays not included in the First Folio, The Two Noble Kinsmen and Pericles, Prince of Tyre, are now accepted as part of the canon, with scholars agreed that Shakespeare made a major contribution to their composition. No Shakespearean poems were included in the First Folio. In the late 19th century, Edward Dowden classified four of the late comedies as romances, and though many scholars prefer to call them tragicomedies, his term is often used. These plays and the associated Two Noble Kinsmen are marked with an asterisk (*) below. In 1896, Frederick S. Boas coined the term “problem plays” to describe four plays: All’s Well That Ends Well, Measure for Measure, Troilus and Cressida and Hamlet. “Dramas as singular in theme and temper cannot be strictly called comedies or tragedies”, he wrote. “We may therefore borrow a convenient phrase from the theatre of today and class them together as Shakespeare’s problem plays.” The term, much debated and sometimes applied to other plays, remains in use, though Hamlet is definitively classed as a tragedy. The other problem plays are marked below with a double dagger. Plays thought to be only partly written by Shakespeare are marked with a dagger below. Other works occasionally attributed to him are listed as apocrypha. Comedies All’s Well That Ends Well As You Like It The Comedy of Errors Love’s Labour’s Lost Measure for Measure The Merchant of Venice The Merry Wives of Windsor A Midsummer Night’s Dream Much Ado About Nothing Pericles, Prince of Tyre The Taming of the Shrew The Tempest Twelfth Night The Two Gentlemen of Verona The Two Noble Kinsmen The Winter’s Tale Poems Shakespeare’s sonnets Venus and Adonis The Rape of Lucrece The Passionate Pilgrim The Phoenix and the Turtle A Lover’s Complaint Histories King John Richard II Henry IV, Part 1 Henry IV, Part 2 Henry V Henry VI, Part 1 Henry VI, Part 2 Henry VI, Part 3 Richard III Henry VIII Lost Plays Love’s Labour’s Won The History of Cardenio Tragedies Romeo and Juliet Coriolanus Titus Andronicus Timon of Athens Julius Caesar Macbeth Hamlet Troilus and Cressida King Lear Othello Antony and Cleopatra Cymbeline Apocrypha Arden of Faversham The Birth of Merlin Edward III Locrine The London Prodigal The Puritan The Second Maiden’s Tragedy Sir John Oldcastle Thomas Lord Cromwell A Yorkshire Tragedy Sir Thomas More

RIWAYAT HIDUP SAHDAR SAPUTRA December 18, 2012 | Leave a comment

sahdar saputra atau biasa dipanggil Yukie Niege, lahir pada tanggal 5 April 1992, Olo-oloho, Kolaka Utara. Dia adalah putra ketiga dari pasangan Bapak Sahindu dan Ny. Junaini. Dia sekolah di SD 2 Olo-oloho, SMP 1 Pakue, dan SMA 1 Kolaka. waktu ia duduk di bangku SD, dia sudah mengukir beberapa prestasi dan bahkan dia mendapat juara 1umum di sekolahnya. setelah tamat di SD, dia melanjutkan sekolahnya di SMP 1 Pakue, disinilah dia mulai menciptakan sesuatu yang baru dan yang kebanyakan orang tidak menyukainya. dia sangat menekuni mata pelajaran di sekolah SMPnya itu, seperti fisika, Mate-matika, biologi dan juga bahasa inggris. tapi mata pelajaran yang dia sangat senangi adalah bahasa inggris. Dengan bahasa inggris, sahdar telah mengukir banyak prestasi dalam setiap kompetensi, dan biasa menjadi pemenang. setelah tamat dari SMA, dia melanjutkan studinya di Universitas Lakidende, Unaaha, dengan mengambil jurusan pendidikan bahasa inggris. selain belajar linguistik khususnya bahasa inggris, dia juga senang membaca buku sastra baik karya sastra indonesia maupun karya sastra asing.

contoh karya ilmiah dalam bahasa inggris December 18, 2012 | Leave a comment

Abstract Language is device communication therefore language is very important in human life. Between 4 language ability, writing is language activity that needs much cognitive concentration. With have background which different is Indonesian language, into write foreign language, student often make mistake into express idea. The purpose of research is writer want know knowledge and authority Indonesian language student influential to style express idea into English language and what the influence Indonesian language into write short arrangement English language in SMA 1 Ciawi. The reason why Indonesian language often influence process of writing arrangement English language student is because the different structure language, not be type tenses, not be system regular verb, irregular verb. Introduction Background Language is very important in human life. Language is means of communication. Without a language, a person cannot communicate with others. English is a language in the world. People call it a international language. In our school, the English language has been given since the fourth grade of the elementary school up to university. Most people in the world from the different countries and nations speak language. Also, many scientific studies such as education, science, religion, technology, commerce or politic are written in the language. Language includes four skills: listening, speaking, reading and writing. Writing is language activity that needs much cognitive concentration. When writing, a writer is challenged to use just linguistics code without helping of other codes, take for instance, gestures. A writer has to arrange some ideas and transform them into his thinking carefully in writing codes on papers. In fact, writing is different from writing Indonesian. English as stated above is a foreign language for Indonesian student. English is a new language that they often have trouble when they learn it. One of the reason is the characteristics of English itself. For example, tenses, regular and irregular verb are not found in Indonesia. On contrary, Indonesia is a language which the students have got earlier basically, we believe that student of SMU have enough knowledge of it and have known to use it well and correctly. So it is possible that Indonesian, though it is a school language for most of them, can regard as the student’s mother tongue. They use Indonesian more frequently with they friends and teachers. Moreover, Indonesian is very close to them, to their speaking or writing habits. This is one thing that invites problems when the student writes the sentences composition in English. Literature Review Each language has its sounds and meaning. But in fact, we find that each language also has specific characteristic, which are not found in the other languages. Even though Indonesia language and English language have similarities there are not language that are exactly the same. The writer would like to describe briefly the characteristic of both structural pattern of the Indonesian and English language to find out the similarities and differences which he predicts could be the causal factor of influence the composition. In this description, the writer describes the classification of the sentences based on the number and the kind of clauses and sentences. There are four types of sentences. 1. 2. 3. 4.

Simple sentence Compound sentence Complex sentence Compound complex sentence

Methodology 1.1. Methods There are many methods that can be used in educational research, such as historical method, descriptive method, experimental method etc. the writer uses the description method in order to meet the purpose of the research 1.2. Instrument In order to be able to collect the data needed, the writer will use some tests. : 1. The writer will use writing test to predicated how far the students knowledge on writing short English composition 2. The writes us error taxonomy to classifying the sentences that are predicated as influence cases. According to Dinne Larsen freemen and Michael H Long (1991: 59) 1.3. Techniques of Colleting Data In collecting data, the writer directly administration. The students to write short English about 10-20 sentences on : Their daily activities Their activities on holidays Their activities when they shopping in the market. Then these students composition are analyzed by classification the sentences that are predicated as of the influence case, besides, the writer has collected the information concerning the research by using the literary study 1.4. Population and Sample In this research, the writer takes the second year students of SMAN I Ciawi as population. There are four classes and the numbers of the student are 40 students. The writer takes 5 students as sample of this research . 1.5. Research Procedures In this study, the writer takes the procedures of research as follows : 1. 2. 3. 4. 5.

Study the curriculum especially the basic outline Construct the data gathering instrument Gather the data method Analysis the data Draw conclusion and suggestion

Results Data Processing The Processing data which has been collected is carried out though the procedures as follows Firstly, the writer collected the paper of the students work. Than he put a sign on the paper. Later the writer examined all those composition one by one. If the writer found the pattern of the syntax that probably showes the influence of the Indonesia language, he wrote them on the cards of data processing. Finally, on each card the kinds of influences is recorded, such as the influences of the used simple sentence, complex sentence, compound sentence, complex compound sentence, and also of the types error in the interlingua and intralingua. In below is the kind of the students English composition or sentences and its classification of influence. The writer wrote the influence in the sentence and identified the error and then the writer gave the correct sentences in English. Discussion The Analysis and Comments 1.1. Simple Sentence To know further the case of the use of simple sentences, let the write show it as follows. 1. 2. 3. 4. 5.

Times holiday I’m going to Bandung (002) Before times holiday, I’m which my family goes to the beach Pangandaran (007) In Pangandaran, my family and I to climb about to saw the view of white sends (013) There, I’m help work my brother (017) The zoo there, I seed birds, snake, elephants (023)

1.2. Complex Sentence The illustration of this case is as follows 1. We going to beach Pangandaran because I’m get champion to I in sport badminton (013) 2. I am not happy because there my uncle nothing (017) 1.3. Compound Sentence There are the data of compound sentences in the student’s composition Pangandaran beach is very wide and become place good for holiday (007) In there, wave which to come is very big and to come rolls (013) 1.4. Compound Complex Sentence For further features of the reason case here are the data about 1. There I am very happy find the place that I am like but far in my house (017) In the student’s composition, the writer finds that the students have made errors in arranging the order of noun and adjective, verb and verb or placement of adverb Conclusion and Suggestion Conclusion Based on the collected and some points of view of several linguistics dealing with influence in acquiring and learning a second language, the writer would like to propose again the hypothesis that has been previously mentioned the different structure of the Indonesian and English sentence could possibly be the cause of influence in the students English composition. In accordance with hypothesis, the writer has concluded the research as follows: 1. The influence of the Indonesian language as the first language of the second year’s students of SMAN I Ciawi has been noticed to appear in their written language, their short English Composition. 2. The degree of influence which becomes a focus of this research is in the level syntax. The data of influence are taken from the short English composition of students including the sentences patterns, the use of simple sentence, complex sentence, compound sentence and compound complex. Suggestion Based on research carried out, the writer would give my suggestion especially for those who are interested in the research of the same topic. 1. The language teachers should know and understand language issues lika influence as this will have them facilities their students in Learning the second language. Therefore the teacher would be able to predict the problems that the students usually find in learning the language. 2. The writer has handled the research of the influence in the level of syntax. As it is mentioned that influence might occur in the level of phonology, morphology. So, it is better if the others try to conduct the research on the other levels. References Brown H. Douglas. 1994. Teaching by Principles. San Francisco State. Prentice Hall Regents Englewood Cliffs. Departemen Pendidikan dan Kebudayaan. 1992. Tata Bahasa Baku Bahasa Indonesia. Jakarta. Perum Balai Pustaka. Wishon, E. George and Julia M. Burks. 1980 Let’s Write English. New York.

sinopsis cerita novel dalam mihrab cinta December 18, 2012 tagged dalam mihrab cinta, novel, novel dalam mihrab cinta, sinopsis cerita | Leave a comment

Sinopsis Novel Dalam Mihrab Cinta Karya Habiburrahman El Shirazy 01 Sep 2012 1 Komentar by S. Fatichatus S. in Pena Kampus Identitas Buku Judul Buku : Dalam Mihrab Cinta Nama pengarang : Habiburrahman El Shirazy Penerbit : Ihwah Publishing Kota Terbit : Jakarta Selatan Tahun Terbit : 2010 Jumlah Halaman : vi + 270 halaman ISBN : 978-602-98221-4-4 Sinopsis Syamsul si tokoh utama ialah seorang yang sangat senang dengan tantangan. Sifat itu mendorong ia melanjutkan studi ke pondok pesantren setelah dua tahun lulus SMA. Ia merasa tertantang dengan cerita seorang seniman bahwa belajar di pondok sangat sulit. Syamsul memutuskan masuk ke pondok Al-Huda yang kemudian ia ketahui pondok itu milik ayah seorang gadis yang telah ia tolong di kereta sebelumnya. Gadis yang menyantri di Pekalongan itu bernama Zizi.Syamsul sangat rajin belajar di pondok sehingga ia bisa menyelesaikan tingkatantingkatan dalam pondok lebih cepat. Karena hal itu, Zizi menjadi simpati kepada Syamsul. Melihat sikap Zizi, Burhan yang menaruh perasaan kepada Zizi merasa cemburu. Muncul niat jahatnya untuk menjebak Syamsul, seolah-olah Syamsul adalah pencuri. Akhirnya Syamsul diadili secara masal oleh seluruh santri dan ustadz dengan tuduhan mencuri. Ia dikurung dalam suatu tempat dan tidak kuasa untuk membela diri atas fitnah yang ditudingkan Burhan kepadanya. Berita ini pun sampai pada keluarga Syamsul. Syamsul dikeluarkan secara tidak hormat dari pesantren. Ayahnya sangat marah, Syamsul dihajar oleh kakak- kakaknya. Hanya Ibu dan Nadia, adik perempuanya yang percaya. Tidak tahan dengan sikap keluarganya, Syasul memutuskan untuk pergi dari rumah. Zizi yang pernah menaruh rasa simpati kepada Syasul sering mengunjungi rumah Syamsul. Suatu hari Syamsul ditangkap polisi karena tuduhan mencopet. Berita ini sampai kepada orang tuanya. Di penjara Syamsul mendapatkan banyak hal. Adik Syamsul yang tidak percaya mendatangi kantor polisi yang diberitakan sebagai tempat Syamsul ditahan. Melihat Syamsul mendekam di penjara Nadia sangat tidak percaya. Syamsul meminta Nadia untuk membebaskannya. Syamsul kemudian bebas. Keika di bus Syamsul kabur. Adiknya tidak kusa mencegah. Syamsul yang tak membawa bekal apa- apa tinggal di sebuah masjid di Jakarta. Ia merawat masjid tersebut dengan baik. Ironisnya, ia malah semakin sering mencopet dan hasil copetannya sebagian dimasukkan di kotak amal masjid. Setiap kali mencopet selalu ia catat siapa saja korban- korbannya, karena ia berniat suatu saat ia akan mengembalikannya. Suatu hari Syamsul mencopet dompet seorang gadis cantik yang dia ketahui namanya adalah Silvie. Ia sangat terkejut ketika mendapati foto Silvie bersama Burhan, seorang yang telah membuat hidupnya hancur. Ia kemudian mencari rumah Silvie. Di saat pencariannya, ia justru diminta menjadi guru ngaji pribadi seorang anak yang bernama Della, di situ pula lah dia menemukan Silvie yang kebetulan adalah guru les pribadi Della. Tujuan utama Syamsul datang ke situ adalah untuk mencari Silvie dan membongkar semua kebejatan Burhan. Maka ketika kesempatan itu ada Syamsul langsung mengatakan semuanya kepada Silvie tentang Burhan yang telah membuat Syamsul dipenjara dan kejahatan- kejahatan lainnya. Bahkan tentang dirinya yang pernah menjadi pencopet. Mendengar cerita itu Silvie sangat terkejut. Ia sulit untuk mempercayai semanya. Ia beranjak meninggalkan Syamsul. Perasaan simpati Silvie pada Syamsul menjadi kabur, galau. Namun perasaan simpati yang berubah menjadi cinta itu tidak dapat dibohongi lagi. Terlebih lagi kedua orang tuanya juga mendukung. Silvie membatalkan pertunanganya dengan Burhan dan orang tuanya justru melamar Syamsul untuk putri semata wayangnya. Syamsul yang waktu itu sudah menjadi mubaligh muda yang terkenal minta pertimbangan kepada sang bunda dan minta petunjuk kepada Alloh melalui sholat istikharoh. Kemudian Syamsul mengiyakan lamaran Silvie. Mereka berdua akan segera menikah. Naas, tepat satu minggu sebelum pernikahan keduanya, Silvie mengalami kecelakaan dan meninggal seketika. Syamsul sangat terpukul atas kejadian yang menimpanya. Ia tidk mau makan, minum, bahkan berhenti berdakwah. Setelah cukupa Syamsul melakukan itu ibunya semakin tidak tega dan meminta Zizi untuk menghibur putrinya. Cukup lama Zizi memendam rasa cintanya, dan itu buah dari kesabarannya. Akhirnya kakak zizi yang juga kyai di pondok tempat Syamsul mengaji dulu meminta Syamsul untuk mengajar di pesantren sekaligus menjadi pendamping Zizi. Setelah melakukan sholat istikharoh untuk meminta petunju, Syamsul dan Zizi sah menjadi suami isteri. 3. Komentar Novel tersebut menceritakn bahwa lingkunga mempunyai pengaruh besar untuk membentuk diri seseorang. Pada mulanya tokoh utama hanya difitnah maling oleh rekan belajarnya, kemudian lingkungan mengiyakan hal tersebut, bahkan keluarga yang ia andalkan pun ikut mempercayai fitnah itu. Tokoh utama merasa tidak tahan, kabur dari rumah, dan akhirnya ia menjadi copet sungguhan sampai pernah mendekam di penjara. Namun, ketika lingkungan menganggap di adalah seorang ustad semenjak menjadi guru mengaji seorang anak kecil, maka jadilah ia seorang ustad, bahkan tenar sampai masuk pada program religi sebuah stasiun televisi. Jadi, lingkungan mempunyai peran penting dalam membentuk diri seseorang.

kumpulan analisis puisi chairil anwar December 18, 2012 tagged analisis puisi, analisis puisi chairil anwar, chairil anwar, kumpulan puisi | Leave a comment

ANALISIS PUISI “DOA“KARYA CHAIRIL ANWAR Doa Tuhanku Dalam termenung Aku masih menyebut nama-Mu Biar susah sungguh Mengingat Kau penuh seluruh Caya-Mu panas suci Tinggal kerlip lilin di kelam sunyi Tuhanku Aku hilang bentuk Remuk Tuhanku Aku mengembara di negeri asing Tuhanku Di Pintu-Mu aku mengetuk Aku tidak bisa berpaling Analisis Unsur Intrinsik a) Tema Puisi “Doa” karya Chairil Anwar di atas mengungkapkan tema tentang ketuhanan. Hal ini dapat kita rasakan dari beberapa bukti. Pertama, diksi yang digunakan sangat kental dengan kata-kata bernaka ketuhanan. Kata “dua” yang digunakan sebagai judul menggambarkan sebuah permohonan atau komunikasi seorang penyair dengan Sang Pencipta. Kata-kata lain yang mendukung tema adalah: Tuhanku, nama-Mu, mengingat Kau, caya-Mu, di pintu-Mu. Kedua, dari segi isi puisi tersebut menggambarkan sebuah renungan dirinya yang menyadari tidak bisa terlepas dari Tuhan. Dari cara penyair memaparkan isi hatinya, puisi”Doa”sangat tepat bila digolongkan pada aliran ekspresionisme, yaitu sebuah aliran yang menekankan segenap perasaan atau jiwanya.. Perhatikan kutipan larik berikut : (1)Biar rusah sungguh Mengingat Kau penuh seluruh (2)Aku hilang bentuk remuk (3)Di Pintu-Mu aku mengetuk Aku tidak bisa berpaling Puisi yang bertemakan ketuhanan ini memang mengungkapkan dialog dirinya dengan Tuhan. Kata “Tuhan” yang disebutkan beberapa kali memperkuat bukti tersebut, seolah-olah penyair sedang berbicara dengan Tuhan. b) Nada dan Suasana Nama berarti sikap penyair terhadap pokok persoalan (feeling) atau sikap penyair terhadap pembaca. Sedangkan suasana berarti keadaan perasaan pembaca sebagai akibat pembacaan puisi. Nada yang berhubungan dengan tema ketuhanan menggambarkan betapa dekatnya hubungan penyair dengan Tuhannya. Berhubungan dengan pembaca, maka puisi “Doa” tersebut bernada sebuah ajakan agar pembaca menyadari bahwa hidup ini tidak bisa berpaling dari ketentuan Tuhan. Karena itu, dekatkanlah diri kita dengan Tuhan. Hayatilah makna hidup ini sebagai sebuah “pengembaraan di negeri asing”. c) Perasaan Perasaan berhubungan dengan suasana hati penyair. Dalam puisi ”Doa” gambaran perasaan penyair adalah perasaan terharu dan rindu. Perasaan tersebut tergambar dari diksi yang digunakan antara lain: termenung, menyebut nama-Mu, Aku hilang bentuk, remuk, Aku tak bisa berpaling. d) Amanat Sesuai dengan tema yang diangkatnya, puisi ”Doa” ini berisi amanat kepada pembaca agar menghayati hidup dan selalu merasa dekat dengan Tuhan. Agar bisa melakukan amanat tersebut, pembaca bisa merenung (termenung) seperti yang dicontohkan penyair. Penyair juga mengingatkan pada hakikatnya hidup kita hanyalah sebuah ”pengembaraan di negeri asing” yang suatu saat akan kembali juga. Hal ini dipertegas penyair pada bait terakhir sebagai berikut: Tuhanku, Di Puntu-Mu Aku mengetuk Aklu tidak bisa berpaling Analisis Puisi Chairil Anwar Penerimaan Kalau kau mau kuterima kau kembali Dengan sepenuh hati Aku masih tetap sendiri Kutahu kau bukan yang dulu lagi Bak kembang sari sudah terbagi Jangan tunduk! Tentang aku dengan berani Kalau kau mau kuterima kau kembali Untukku sendiri tapi Sedang dengan cermin aku enggan berbagi. Analisi puisi Chairil Anwar menggunakan pendekatan Objektif: A. Bentuk dan Struktur Fisik Puisi 1. Tipografi: Pada puisi “Penerimaan” karya Chairil Anwar terdapat enam bait dengan pola 2-1-2-1. Tiap bait puisinya berbeda, pada bait pertama, ketiga dan kelima terdapat dua larik sedangkan bait kedua, keempat, dan keenam terdapat satu larik. 2. Diksi: Diksi yang terdapat pada puisi “Penerimaan” terdapat beberapa kata yang memakai konotasi, seperti: Bak: bagaikan Kembang sari: wanita perawan atau keperawanan Tunduk: menghadapkan wajah kebawah (malu) Tentang: dekat dihadapan muka (menemui) Cermin: alat pantul atau bayangan 3. Imaji: Imaji yang dipakai dalam puisi “Penerimaan” ini adalah imaji visual (pengelihatan), seperti: /kau bukan yang dulu lagi/, /Jangan tunduk!/, /dengan cermin aku enggan berbagi/. 4. Kata konkret: Pada puisi “Penerimaan” terdapat kata konkret seperti bak kembang sari sudah terbagi artinya wanita yang sudah kehilangan keperawanannya. Sedangkan dengan cermin aku berbagi artinya si “aku” tidak ingin wanitanya mendua bahkan dengan bayangannya sekalipun. 5. Bahasa figuratif (majas): Majas yang digunakan adalah majas personifikasi yaitu majas yang mengambarkan benda mati seolah-olah hidup. Seperti pada bait keenam yaitu sedang dengan cermin aku enggan berbagi. 6. Rima: Puisi ini memiliki rima yang sama karena seluruh baris pada puisi ini berakhiran huruf i dari awal hingga akhir. B. Struktur Batin Puisi 1. Tema atau makna: Tema yang diangkat Chairil Anwar pada puisi “Penerimaan” yaitu tentang percintaan. Tentang seorang lelaki yang masih menerima kekasihnya kembali meskipun sang kekasih sudah bersama orang lain. 2. Rasa: Rasa yang ada pada puisi ini adalah rasa semangat pengharapan dengan sedikit kecemasan pada setiap baitnya. 3. Nada: Pada puisi “Penerimaan” ini, Chairil Anwar menuangkan perasaan harap-harap cemas dan ketegasan. Pengharapan yang ia rasakan dikarenakan pada dasarnya ia masih mencintai kekashnya yang dulu. 4. Amanat: Agar perempuan mempertimbangkan penawaran si “aku” dan memutuskan dengan tegas keputusan yang akan diambil perempuan tersebut. Jangan pernah menduakan seseorang yang mencintai dengan tulus dan tanpa pamrih. Analisis Puisi ‘Kesabaran’ Karya Chairil Anwar “KESABARAN” Karya Chairil Anwar MAKALAH diajukan untuk memenuhi salah satu tugas matakuliah Apresiasi Puisi Indonesia dosen pengampu: Drs. H. Ma’mur Saadie, M.Pd disusun oleh Anisa Prasetia Novia NIM 1103944 PENDIDIKAN BAHASA DAN SASTRA INDONESIA FAKULTAS PENDIDIKAN BAHASA DAN SENI UNIVERSITAS PENDIDIKAN INDONESIA BANDUNG 2012 Kesabaran Karya Chairil Anwar Aku tak bisa tidur Orang ngomong, anjing nggonggong Dunia jauh mengabur Kelam mendinding batu Dihantam suara bertalu-talu Di sebelahnya api dan abu Aku hendak bicara Suaraku hilang, tenaga terbang Sudah! Tidak jadi apa-apa! Ini dunia enggan disapa, ambil perduli Keras membeku air kali Dan hidup bukan hidup lagi Kuulangi yang dulu kembali Sambil bertutup telinga, berpicing mata Menunggu reda yang mesti tiba ANALISIS PUISI “KESABARAN “MENGGUNAKAN TEORI STRUKTURAL struktur Lahir (Metode Puisi) a. Diksi (Pemilihan Kata) Penyair sangat cermat dalam memilih kata-kata sebab kata-kata yang ditulis harus dipertimbangkan maknanya, komposisi bunyi dalam rima dan irama, kedudukan kata itu di tengah konteks kata lainnya, dan kedudukan kata dalam keseluruhan puisi itu. Oleh sebab itu, disamping memilih kata yang tepat, penyair juga mempertimbangkan urutan katanya dan kekuatan atau daya magis dari kata-kata tersebut. Kata-kata diberi makna baru dan yang tidak bermakna diberi makna menurut kehendak penyair. Karena begitu pentingnya kata-kata dalam puisi, maka bunyi kata juga dipertimbangkan secara cermat dalam pemilihannya. Karena pemilihan kata-kata mempertimbangkan berbagai aspek estetis, maka kata-kata yang sudah dipilih oleh penyair untuk puisinya bersifat absolut dan tidak bisa diganti dengan padan katanya, sekalipun maknanya tidak berbeda. Bahkan sekalipun unsur bunyinya hampir mirip dan maknanya sama, kata yang sudah dipilih itu tidak dapat diganti. Jika kata itu diganti akan mengganggu komposisi dengan kata lainnya dalam konstruksi keseluruhan puisi itu. Di dalam puisi ‘Kesabaran’ karya Chairil Anwar diksi atau pemilihan kata menggunakan kata-kata yang mudah dimengerti oleh pembaca meskipun dalam struktur kata tidak beraturan dan kurang sesuai dengan struktur kata pada umumnya. Misalnya: kata ‘nggonggong’ dalam struktur kata pada umumnya bukan ‘nggonggong’ tetapi ‘menggonggong’, namun penyair lebih memilih kata ‘nggonggong’ sebagai kata yang memiliki unsur orisinalitas atau private symbol sehingga menghasilkan poetic power. b. Pengimajian Ada hubungan erat antara diksi, pengimajian, dan kata kongkret. Diksi yang dipilih harus menghasilkan pengimajian oleh karena itu kata-kata menjadi lebih kongkret seperti kita hayati melalui penglihatan, pendengaran, atau cita rasa. Pengimajian dapat dibatasi dengan pengertian: kata atau susunan kata-kata yang dapat mengungkapkan pengalaman sensoris, seperti penglihatan, pendengaran, dan perasaan. Baris atau bait puisi itu seolah mengandung gema suara (imaji auditif), benda yang nampak (imaji visual), atau sesuatu yang bisa kita rasakan, raba, atau sentuh (imaji taktil). Pengimajian di dalam puisi ‘Kesabaran’ karya Chairil Anwar yaitu sebagai berikut: – Aku tak bisa tidur (imaji taktil) – Orang ngomong, anjing nggonggong (imaji auditif) – Dunia jauh mengabur (imaji taktil) – Kelam mendiding batu (imaji taktil) – Dihantam suara bertalu-talu (imaji auditif) – Di sebelahnya api dan abu (imaji visual) – Aku hendak bicara (imaji taktil) – Suaraku hilang, tenagaku terbang (imaji taktil) – Sudah! tidak jadi apa-apa! (imaji taktil) – Ini dunia enggan disapa, ambil perduli (imaji taktil) – Keras membeku air kali (imaji visual) – Dan hidup bukan hidup lagi (imaji taktil) – Kuulangi yang dulu kembali (imaji taktil) – Sambil bertutup telinga, berpicing mata (imaji visual) – Menunggu reda yang mesti tiba (imaji taktil) c. Kata Kongkret Untuk membangkitkan imaji (daya bayang) pembaca, maka kata-kata harus diperkongkret, maksudnya ialah bahwa kata-kata itu dapat menyaran kepada arti yang menyeluruh. Seperti halnya pengimajian, kata yang diperkongkret ini juga erat hubungannya dengan penggunaan kiasan dan lambang. Jika penyair mahir memperkongkret kata-kata, maka pembaca seolah-olah melihat, mendengar, atau merasa apa yang dilukiskan oleh penyair. Dengan demikian pembaca terlibat penuh secara bathin kedalam puisinya. Jika imaji pembaca merupakan akibat dari pengimajian yang diciptakan penyair, maka kata kongkret ini merupakan syarat atau sebab terjadinya pengimajian itu. Dengan kata yang diperkongkret, pembaca dapat membayangkan secara jelas peristiwa atau keadaan yang dilukiskan oleh penyair. Di dalam puisi ‘Kesabaran’ karya Chairil Anwar kata kongkret yang dipilih untuk melukiskan ia berusaha sabar dan mengabaikan orang-orang yang menggunjingnya atau membicarakannya ia menggunakan kata ‘Aku tak bisa tidur/Orang ngomong, anjing nggonggong/Dunia jauh mengabur/Kelam mendinding batu/Dihantam suara bertalutalu/Di sebelahnya api dan abu’, kata kongkret yang dipilih untuk melukiskan ia berusaha berbicara namun ia tidak dapat berbicara dan akhirnya berusaha untuk tidak perduli ia menggunakan kata ‘Aku hendak bicara/Suaraku hilang, tenaga terbang/Sudah! tidak jadi apa-apa!/Ini dunia enggan disapa, ambil perduli’, kata kongkret yang dipilih untuk melukiskan ia sudah tahan dan kuat untuk menjalani hidup ia menggunakan kata ‘Keras membeku air kali/Dan hidup bukan hidup lagi’, kata kongkret yang dipilih untuk melukiskan bahwa ia akan terus bersabar dan yakin bahwa suatu saat nanti cobaan itu akan berlalu seiring berjalannya waktu ia menggunakan kata ‘Kuulangi yang dulu kembali/Sambil bertutup telinga, berpicing mata/Menunggu reda yang mesti tiba’. d. Bahasa Figuratif (Majas) Penyair menggunakan bahasa yang bersusun-susun atau berpigura sehingga disebut bahasa figuratif. Bahasa figuratif menyebabkan puisi menjadi prismatis artinya memancarkan banyak makna atau kaya akan makna. Bahasa figuratif ialah bahasa yang digunakan penyair untuk mengatakan sesuatu dengan cara yang tidak biasa, yakni secara tidak langsung mengungkapkan makna. Kata atau bahasanya bermakna kias atau makna lambang. Bahasa figuratif dipandang lebih efektif untuk menyatakan apa yang dimaksudkan penyair karena: 1) bahasa figuratif mampu menghasilkan kesenangan imajinatif, 2) bahasa figuratif adalah cara untuk menghasilkan imaji tambahan dalam puisi sehingga yang abstrak menjadi kongkret dan menjadikan puisi lebih nikmat dibaca, 3) bahasa figuratif adalah cara menambah intensitas perasaan penyair untuk puisinya dan menyampaikan sikap penyair, 4) bahasa figuratif adalah cara untuk mengkonsentrasikan makna yang hendak disampaikan dan cara menyampaikan sesuatu yang banyak dan luas dengan bahasa yang singkat (Perrine, 1974:616-617). Di dalam puisi ‘Kesabaran’ karya Chairil Anwar menggunakan majas hiperbola yakni kiasan yang berlebihlebihan. Misalnya dalam kata ‘Dunia jauh mengabur’, ‘Kelam mendinding batu’, ‘Suaraku hilang, tenaga terbang’, ‘Keras membeku air kali’, ‘Dan hidup bukan hidup lagi’. Selain itu puisi tersebut juga menggunakan majas personifikasi seperti dalam kata ‘Ini dunia enggan disapa, ambil perduli’. e. Rima dan Ritma Bunyi di dalam puisi menghasilkan rima dan ritma. Rima adalah pengulangan bunyi di dalam puisi. Dalam ritma pemotongan-pemotongan baris menjadi frasa yang berulang-ulang, merupakan unsur yang memperindah puisi itu. 1. Rima Pengulangan bunyi dalam puisi untuk membentuk musikalitas atau orkestrasi. Dengan pengulangan bunyi itu puisi menjadi merdu jika dibaca. Untuk mengulang bunyi ini penyair juga mempertimbangkan lambang bunyi. Dengan cara ini pemilihan bunyi-bunyi mendukung perasaan dan suasana puisi. Rima di dalam puisi ‘Kesabaran’ karya Chairil Anwar adalah sebagai berikut: Aku tak bisa tidur (pengulangan bunyi fonem /a/ dan /i/) Orang ngomong, anjing nggonggong (pengulangan bunyi fonem /o/ dan /ng/) Dunia jauh mengabur (pengulangan bunyi fonem /u/) Kelam mendinding batu (pengulangan bunyi fonem /e/ dan /m/) Dihantam suara bertalu-talu (pengulangan bunyi fonem /a/) Di sebelahnya api dan abu (pengulangan bunyi fonem /a/) Aku hendak bicara (pengulangan bunyi fonem /a/) Suaraku hilang, tenaga terbang (pengulangan bunyi fonem /a/ dan /ng/) Sudah! tidak jadi apa-apa! (pengulangan bunyi fonem /a/) Ini dunia enggan disapa, ambil perduli (pengulangan bunyi fonem /i/ dan /a/) Keras membeku air kali (pengulangan bunyi fonem /k/, /e/, dan /a/) Dan hidup bukan hidup lagi (pengulangan bunyi fonem /a/, /i/ dan kata ‘hidup’) Kuulangi yang dulu kembali (pengulangan bunyi fonem /u/ dan /a/) Sambil bertutup telinga, berpicing mata (pengulangan bunyi fonem /a/,/i/ dan /u/) Menunggu reda yang mesti tiba (pengulangan bunyi fonem /e/ dan /a/) 2. Ritma Ritma sangat berhubungan dengan bunyi dan juga berhubungan dengan pengulangan bunyi, kata, frasa, dan kalimat. Ritma dapat dikatakan sebagai irama namun berbeda dengan metrum (matra). Dalam puisi karya-karya Chairil Anwar, irama sudah diciptakan secara kreatif artinya tidak hanya berupa pemotongan baris-baris puisi menjadi dua frasa, namun dapat berupa pengulangan kata-kata tertentu untuk mengikat beberapa baris puisi. Ritma di dalam puisi ‘Kesabaran’ karya Chairil Anwar adalah kata ‘aku’ yang merupakan pengikat beberapa baris, sehingga baris-baris itu seolah bergelombang menimbulkan ritma. Aku tak bisa tidur Orang ngomong, anjing nggonggong Dunia jauh mengabur Kelam mendinding batu Dihantam suara bertalu-talu Di sebelahnya api dan abu Aku hendak bicara Suaraku hilang, tenaga terbang Sudah! Tidak jadi apa-apa! Ini dunia enggan disapa, ambil perduli Keras membeku air kali Dan hidup bukan hidup lagi Kuulangi yang dulu kembali Sambil bertutup telinga, berpicing mata Menunggu reda yang mesti tiba HAMPA Sepi diluar menekan mendesak Lurus kaku pepohonan tak bergerak Sampai ke puncak sepi memangut Tak satu kuasa, melepas renggut Segala menanti, menanti, menanti Sepi Tambah ini menanti jadi mencekik Memberat-mencengkung pundak Sampai binasa segala belum apa-apa Udara bertuba setan bertempik Ini sepi terus ada dan tiada Anlisis Puisi Hampa: 1. Diksi (Pilihan Kata) Pilihan kata yang digunakan sipenyair dalam menungkpkan perasaannya dalam puisinya yang menggunakan kata yang bersifat konotatif karena banyak mengandung arti dan yang mewakili keseluruhan puisi yaitu terdapat pada kata “sepi”, terbukti pada : “Sepi diluar menekan mendesak” 2. Imaji (Daya Bayang) penyair menggabarkan/melukiskan perasaan kesepaiannya yang ditimbulkan dalam bentuk imaji perasaan (cita rasa) terbukti: “Ini sepi terus ada. Dan menanti” 3. Kata Kongkret (Kata Nyata) kata konkretnya yaitu sepi dan menanti, karena kata-kata tersebut mengacu kepada pengertian dan penekanan yang menyeluruh dalam puisi. terbukti dalam larik: Sepi diluar sepi menekan mendesak Segala menanti, menanti, menanti Sepi 4. Majas (Bahasa Figuratif) -Refitisi:Sepi menanti, menanti, menanti, menanti Sepi ini terus ada,menanti Sepi menekan mendesak -Personifikasi:Lurus kaku pepohonan tak bergerak -Hiperbola:Udara bertuba setan bertempik 5.Rima (Pengulangan Bunyi) -Aliterasi yaitu persamaan bunyi konsonan pada “T” dak “K”, terbukti: Sampai ke puncak sepi memanggut Tak satu kuasa, melepas renggut Tak bergerak sampai ke puncak -Asonansi yaitu persamaan bunyi vokal pada “i”, terbukti pada: Segala menanti, menanti, menanti sepi SAJAK PUTIH Bersandar pada tari warna pelangi Kau depanku bertudung sutra senja Di hitam matamu kembang mawar dan melati Harum rambutmu mengalun bergelut senda Sepi menyanyi, malam dalam mendoa tiba Meriak muka air kolam jiwa Dan dalam dadaku memerdu lagu Menarik menari seluruh aku Hidup dari hidupku, pintu terbuka Selama matamu bagiku menengadah Selama kau darah mengalir dari luka Antara kita Mati datang tidak membelah… Dalam puisi sajak putih digamberkan gadis si aku pada suatu senja hari yang indah ia duduk dihadapan si aku. Ia besandar yang pada saat itu ada warna pelangi yaitu langit senja yang indah penuh dengan macam-macam warna. Gadis itu bertudung sutra diwaktu hari sudah senja. Sedangkan rambut gadis itu yang harum ditiup angin tampak seperti sedang bersenda gurau, dan dalam mata gadis yang hitam kelihatan bunga mawar dan melati yang mekar. Mawar dan melati yang mekar menggambarkan sesuatu yang indah dan menarik . biasanya mawar itu berwarna merah yang menggambarka cinta dan melati putih menggambarkan kesucian. Jadi dalam mata si gadis tampak cinta yang tulus, menarik, dan mengikat. Suasana pada saat itu sangat menyenangkan, menarik,m penuh keindahan yang memduat si aku haru dengan semua itu. Dalam pertemuan ke dua insan itu sepi menyanyi, malam dalam doa tiba yang menggambarka tidak ada percakapan dari keduanya. Mereka hanya dian tanpa ada sepatah kata yang diucapkan seperti hanya ketika waktu berdoa. Hanya kata hati yang berkata dan tidak keluar suara. Kesepian itu mengakibatkan jiwa si aku bergerak seperti hanya permukaan kolam yang terisa air yang beriak tertiup angin. Dalam keadaan diam tanpa kata itu, didalam dada si aku terdengar lagu yang merdu yang menggambarkan kegembiraan. Rasa kegembiraan itu digambarkan dengan menari seluruh aku. Hidup dari hidupku, pintu terbuka menggambarkan bahwa si aku merasa hidupnya penuh dengan kemungkinan dan ada jalan keluar serta masih ada harapan yang pasti bisa diwujudkan selama gadis kekasihnya masih menengadahkan mukanya ke si aku. Ini merupakan kiasan bahwa si gadis masih mencintai si aku, mau memandang kemuka si aku, bahkan juga isyarat untuk mencium dari si aku. Keduanya masih bermesraan dan saling mencintai. Begitu juga hidup si aku penuh harapan selama si gadis masih hidup wajar, dikiaskan dengan darahnya yang masih mengalir dan luka, sampai kematioan tiba pun keduanya masih mencintai, dan tidak akan terpisahkan. Sajak merupakan kiasan suara hati si penyair, suara hati si aku. Putih mengiaskan ketulusa kejujuran, dsan keihklasan. Jadi sajak putih berarti suara hati si aku yang sangat tulus dan jujur. Tanda-tanda semiotik untuk kegembiraan dan kebahagiaan di dalam sajak ini adalah kata: tari, warna pelangi, sutra senja, memerdu lagu, menari-neri, pintu terbuka. Jadi, sajak ini bersuasana gembira. Namun biasanya sajak Chairil Anwar bersuasana murung, suram dan sedih. Puisi tidak hanya menyampaikan informasi saja, namun diperlukan kepadatan dan ekspresifitas, karena hanya inti pernyataan yang dikemukakan. Karena hal ini, maka sajak penyimpangan dari tata bahasa normatif seperti: Hidup dari hidupku, pintu terbuka Selama matamu bagiku menengadah Selama kau darah mengalir dari luka Antara kita Mati datang tidak membelah….. Bila diucapkan secara normatif, maka ekspresifitasnya hilang karena tidak padat dan tidak berirama. “Pintu akan selalu terbuka bagi hidup dan hidupku. Selama matamu menengadah bagiku. Selama darah masih mengalir jika engkau terluka. Antara kita sampai kematian datang kita tidak membelah(berpisah). Dalam sajak ini pengertian abstrak dapat menjadi kongret karena digunakan citraan-citraan dan gerak yang digabung dengan metafora. Rasa sayangnya itu juga digambarkan dalam puisi Chairil Anwar yang berjudul “Penerimaan”. Dalam puisi itu digambarkan bahwa si aku masih bisa menerima si gadis yang telah berselingkuh dengan orang lain. Si aku menerima dengan rasa penuh keihklasan dari si gadis yang telah mau kembali kepelukannya. Terlalu sayangnya si aku, si aku menerima dengan lapang dada tentang apa yang telah diperbuat oleh si gadis dengan orang lain. Dalam puisi “Sajak Putih” banyak digunakan bahasa-bahasa kiasan. “Tari warna pelangi” merupakan bahasa kiasan personifikasi yang menggambarkan benda mati dapat digambarkan seolah-olah hidup. “ rambutmu mengalun bergelut sernda” juga menggunakan bahasa kiasan personifikasi. Selain itu ada kesamaan dalam penggunaan citraan-citraan agar mempunyai makna yang kongret, serta menggunakan metafora-metafora. SENJA DI PELABUHAN KECIL Ini kali tidak ada yang mencari cinta di antara gudang, rumah tua, pada cerita tiang serta temali. Kapal, perahu tiada berlaut menghembus diri dalam mempercaya mau berpaut Gerimis mempercepat kelam. Ada juga kelepak elang menyinggung muram, desir hari lari berenang menemu bujuk pangkal akanan. Tidak bergerak dan kini tanah dan air tidur hilang ombak. Tiada lagi. Aku sendiri. Berjalan menyisir semenanjung, masih pengap harap sekali tiba di ujung dan sekalian selamat jalan dari pantai keempat, sedu penghabisan bisa terdekap Dalam puisi ”Senja di Pelabuhan Kecil” diatas, terasa bahwa penyair sedang dicengkeram perasaan sedih yang teramat dalam. Tetapi seperti pada puisi-puisi Chairil Anwar yang lain, kesedihan yang diungkapkan tidak memberikan kesan cengeng atau sentimental. Dalam kesedihan yang amat dalam, penyair ini tetap tegar. Demikian pula pada puisinya diatas. Di dalamnya tak satu pun kata ”sedih” diucapkannya, tetapi ia mampu berucap tentang kesedihan yang dirasakannya. Pembaca dibawanya untuk turut erta melihat tepi laut dengan gudang-gudang dan rumah-rumah yang telah tua. Kapal dan perahu yang tertambat disana. Hari menjelang malam disertai gerimis. Kelepak burung elang terdengar jauh. Gambaran tentang pantai ini sudah bercerita tentang suatu yang muram, di sana seseorang berjalan seorang diri tanpa harapan, tanpa cinta, berjalan menyusur semenanjung. Satu ciri khas puisi-puisi Chairil Anwar adalah kekuatan yang ada pada pilihan kata-katanya. Seperti juga pada puisi diatas, setiap kata mampu menimbulkan imajinasi yang kuat, dan membangkitkan kesan yang berbeda-beda bagi penikmatnya. Pada puisi diatas sang penyair berhasil menghidupkan suasana, dengan gambaran yang hidup, ini disebabkan bahasa yang dipakainya mengandung suatu kekuatan, tenaga, sehingga memancarakan rasa haru yang dalam. Inilah kehebatan Chairil Anwar, dengan kata-kata yang biasa mampu menghidupkan imajinasi kita. Judul puisi tersebut, telah membawa kita pada suatu situasi yang khusus. Kata senja berkonotasi pada suasana yang remang pada pergantian petang dan malam, tanpa hiruk pikuk orang bekerja. Pada bagian lain, gerimis mempercepat kelam, kata kelam sengaja dipilihnya, karena terasa lebih indah dan dalam daripada kata gelap walaupun sama artinya. Setelah kalimat itu ditulisnya, ada juga kelepak elang menyinggung muram, yang berbicara tentang kemuraman sang penyair saat itu. Untuk mengungkapkan bahwa hari-hari telah berlalu dan berganti dengan masa mendatang, diucapkan dengan kata-kata penuh daya: desir hari lari berenang menemu bujuk pangkal akanan. Penggambaran malam yang semakin gelap dan air laut yang tenang, disajikan dengan kata-kata yang sarat akan makna, yakni: dan kini tanah dan air hilang ombak. Puisi Chairil Anwar ini hebat dalam pilihan kata, disertai ritme yang aps dan permainan bunyi yang semakin menunjang keindahan puisi ini, yang dapat kita rasakan pada bunyi-bunyi akhir yang ada pada tiap larik. Di dalam puisi ini juga digambarkan rasa cinta namun dalam bentuk kesedihan yang mendalam yang dialami oleh si aku namun si aku tetap tegar menghadapinya. Si aku dalam keadaan muram , penuh kegelisahan, dan tidak sempurna dengan kehidupannya. Si aku sedang mancari cintanya yang hilang. Suasana pada saat itu gerimas yang menambah rasa kesedihan dari si aku. CINTAKU JAUH DI PULAU Cintaku jauh di pulau, gadis manis, sekarang iseng sendiri Perahu melancar, bulan memancar, di leher kukalungkan ole-ole buat si pacar. angin membantu, laut terang, tapi terasa aku tidak ‘kan sampai padanya. Di air yang tenang, di angin mendayu, di perasaan penghabisan segala melaju Ajal bertahta, sambil berkata: “Tujukan perahu ke pangkuanku saja,” Amboi! Jalan sudah bertahun ku tempuh! Perahu yang bersama ‘kan merapuh! Mengapa Ajal memanggil dulu Sebelum sempat berpeluk dengan cintaku?! Manisku jauh di pulau, kalau ‘ku mati, dia mati iseng sendiri. Dalam kegiatan menganalisis arti, kita berusaha memberi makna pada bunyi, suku kata, kata, kelompok kata, kalimat, bait, dan pada akhirnya makna seluruh puisi. Bait I “Cintaku jauh di pulau” berarti. Kekasih tokoh aku (gadis manis) berada di suatu tempat yang jauh. “Gadis manis sekarang iseng sendiri” artinya sang kekasih tersebut adalah seorang gadis yang manis yang menghabiskan waktu sendirian (iseng) tanpa kehadiran tohoh aku. Pada bait II, si tokoh aku menempuh perjalanan jauh dengan perahu karena ingin menjumpai atau menemui kekasihnya. Ketika itu cuaca sangat bagus danmalam ketika bulan bersinar, namun hati si aku merasa gundah karena rasanya ia tak akan sampai pada kekasihnya. Bait III menceritakan perasaan si aku yang semakin sedih karena walaupun air terang, angin mendayu, tetapi pada perasaannya ajal telah memanggilnya (Ajal bertahta sambil berkata : “Tujukan perahu ke pangkuanku saja”). Bait IV menunjukkan si aku putus asa. Demi menjumpai kekasihnya ia telah bertahun-tahun berlayar, bahkan perahu yang membawanya akan rusak, namun ternyata kematian menghadang dan mengakhiri hidupnya terlebih dahulu sebelum ia bertemu dengan kekasihnya. Bait V merupakan kekhawatiran si tokoh aku tentang kekasihnya, bahwa setelah ia meninggal, kekasihnya itupun akan mati juga dalam penantian yang sia-sia. Setelah kita menganalisis makna tiap bait, kita pun harus sampai pada makna lambang yang diemban oleh puisi tersebut. Kekasih tokoh aku adalah kiasan dari cita-cita si aku yang sukar dicapai. Untuk meraihnya si aku harus mengarungi lautan yang melambangkan perjuangan. Sayang, usahanya tidak berhasil karena kematian telah menjemputnya sebelum ia meraih cita-citanya. Dalam puisi tersebut terasa perasaan-perasaan si aku : senang, gelisah, kecewa, dan putus asa. Kecuali itu ada unsur metafisis yang menyebabkan pembaca berkontemplasi. Dalam puisi di atas, unsur metafisis tersebut berupa ketragisan hidup manusia, yaitu meskipun segala usaha telah dilakukan disertai sarana yang cukup, bahkan segalanya berjalan lancar, namun manusia seringkali tak dapat mencapai apa yang diidam-idamkannya karena maut telah menghadang lebih dahulu. Dengan demikian, cita-cita yang hebat dan menggairahkan akan sia-sia belaka. Dalam puisi ini juga menggunakan citraan-citraan. Hal itu terdapat dalam “Perahu melancar, bulan memancar,”. Citraan yang digunakan adalah citraan penglihatan karena perahu melancar dan bulan memancar hanya bisa dilihat. Jadi citraannya adalah citraan penglihatan. Citraan visual digunakan dalam: “Ajal bertakhta, sambil berkata: “Tujukan perahu ke pangkuanku saja,” …. Mengapa Ajal memanggil dulu … Dalam puisi “Cintaku jauh di pulau” juga menggunakan bahasa sajak. Bahasa sajak yang digunakan adalah: a. Personifikasi adalah semacam gaya bahasa kiasan yang menggambarkan benda mati seolah-olah hidup. … angin membantu, laut terang, tapi terasa … Di air yang tenang, di angin mendayu, … Mengapa Ajal memanggil dulu … b. Hiperbola adalah gaya bahasa yang mengandung pernyataan melebih-lebihkan. … Amboi! Jalan sudah bertahun ku tempuh! Perahu yang bersama ‘kan merapuh! …. kalau ‘ku mati, dia mati iseng sendiri. … Dari kesemuaan puisi Chairil Anwar tersebut mempunyai persamaan dalam tema yaitu tentang percintaan. Namun hanya berbeda dalam penggunaan pilihan kata-kata. Selain itu berbeda dalam perasaan hati si aku. Perasaan berbeda karana hidup seseorang tidak akan sama perasaannya. Kadang sedih dan kadang pula hidup bahagia. Begitui juga halnya si aku. DAFTAR PUSTAKA Anwar, Chairil. 2006. Deru Campur Debu. Jakarta: Dian Rakyat. Pradopo, Rahmat Djoko. 2005. Beberapa Teori Sastra, Metode Kritik, dan Penerapannya. Yogyakarta : Pustaka Pelajar. ____________2009. Pengkajian Puisi. Yogyakarta : Gajah Mada University Press. Sayuti. Suminto A. 2002. Perkenalan Dengan Puisi. Yogyakarta : Gama Media. Wachid BS, Abdul. 2009. Analisis Struktural Semiotik. Yogyakarta : Cinta Buku.

SOSIOLOGI SASTRA December 18, 2012 | 1 Comment

SOSIOLOGI SASTRA 1. Pengantar Sosiologi sastra sebagai suatu jenis pendekatan terhadap sastra memiliki paradigma dengan asumsi dan implikasi epistemologis yang berbeda daripada yang telah digariskan oleh teori sastra berdasarkan prinsip otonomi sastra. Penelitian-penelitian sosiologi sastra menghasilkan pandangan bahwa karya sastra adalah ekspresi dan bagian dari masyarakat, dan dengan demikian memiliki keterkaitan resiprokal dengan jaringanjaringan sistem dan nilai dalam masyarakat tersebut (Soemanto, 1993; Levin, 1973:56). Sebagai suatu bidang teori, maka sosiologi sastra dituntut memenuhi persyaratan-persyaratan keilmuan dalam menangani objek sasarannya. Istilah “sosiologi sastra” dalam ilmu sastra dimaksudkan untuk menyebut para kritikus dan ahli sejarah sastra yang terutama memperhatikan hubungan antara pengarang dengan kelas sosialnya, status sosial dan ideologinya, kondisi ekonomi dalam profesinya, dan model pembaca yang ditujunya. Mereka memandang bahwa karya sastra (baik aspek isi maupun bentuknya) secara mudak terkondisi oleh lingkungan dan kekuatan sosial suatu periode tertentu (Abrams, 1981:178). Sekalipun teori sosiologis sastra sudah diketengahkan orang sejak sebelum Masehi, dalam disiplin ilmu sastra, teori sosiologi sastra merupakan suatu bidang ilmu yang tergolong masih cukup muda (Damono, 1977:3) berkaitan dengan kemantapan dan kemapanan teori ini dalam mengembangkan alat-alat analisis sastra yang relatif masih lahil dibandingkan dengan teori sastra berdasarkan prinsip otonomi sastra. 2. Sejarah Pertumbuhan Konsep sosiologi sastra didasarkan pada dalil bahwa karya sastra ditulis oleh seorang pengarang, dan pengarang merupakan a salient being, makhluk yang mengalami sensasi-sensasi dalam kehidupan empirik masyarakatnya. Dengan demikian, sastra juga dibentuk oleh masyarakatnya, sastra berada dalam jaringan sistem dan nilai dalam masyarakatnya. Dari kesadaran ini muncul pemahaman bahwa sastra memiliki keterkaitan timbalbalik dalam derajat tertentu dengan masyarakatnya; dan sosiologi sastra berupaya meneliti pertautan antara sastra dengan kenyataan masyarakat dalam berbagai dimensinya (Soemanto, 1993). Konsep dasar sosiologi sastra sebenarnya sudah dikembangkan oleh Plato dan Aristoteles yang mengajukan istilah ‘mimesis’, yang menyinggung hubungan antara sastra dan masyarakat sebagai ‘cermin’. Pengertian mimesis (Yunani: perwujudan atau peniruan) pertama kali dipergunakan dalam teori-teori tentang seni seperti dikemukakan Plato (428-348) dan Aristoteles (384-322), dan dari abad ke abad sangat memengaruhi teori-teori mengenai seni dan sastra di Eropa (Van Luxemburg, 1986:15). Menurut Plato, setiap benda yang berwujud mencerminkan suatu ide asti (semacam gambar induk). Jika seorang tukang membuat sebuah kursi, maka ia hanya menjiplak kursi yang terdapat dalam dunia Ide-ide. Jiplakan atau copy itu selalu tidak memadai seperti aslinya; kenyataan yang kita amati dengan pancaindra selalu kalah dari dunia Ide. Seni pada umumnya hanya menyajikan suatu ilusi (khayalan) tentang ‘kenyataan’ (yang juga hanya tiruan dari ‘Kenyataan Yang Sebenarnya’) sehingga tetap jauh dari ‘kebenaran’. Oleh karena itu lebih berhargalah seorang tukang daripada seniman karena seniman menjiplak jiplakan, membuat copy dari copy. Aristoteles juga mengambil teori mimesis Plato yakni seni menggambarkan kenyataan, tetapi dia berpendapat bahwa mimesis tidak semata-mata menjiplak kenyataan melainkan juga menciptakan sesuatu yang haru karena ‘kenyataan’ itu tergantung pula pada sikap kreatif orang dalam memandang kenyataan. Jadi sastra bukan lagi copy (jiblakan) atas copy (kenyataan) melainkan sebagai suatu ungkapan atau perwujudan mengenai “universalia” (konsep-konsep umum). Dari kenyataan yang wujudnya kacau, penyair memilih beberapa unsur lalu menyusun suatu gambaran yang dapat kita pahami, karena menampilkan kodrat manusia dan kebenaran universal yang berlaku pada segala jaman. Levin (1973:56-60) mengungkapkan bahwa konsep ‘mimesis’ itu mulai dihidupkan kembali pada zaman humanisme Renaissance dan nasionalisme Romantik. Humanisme Renaissance sudah berupaya mengbilangkan perdehatan prinsipial antara sastra modern dan sastra kuno dengan menggariskan paham bahwa masing-masing kesusastraan itu merupakan ciptaan unik yang memiliki pembayangan historis dalam jamannya. Dasar pembayangan historis ini telah dikembangkan pula dalam zaman nasionalisme Romantik, yang secara khusus meneliti dan menghidupkan kembali tradisi-tradisi asli berbagai negara dengan suatu perbandingan geografis. Kedua pandangan tersebut kemudian diwariskan kepada zaman berikutnya, yakni positivisme ilmiah. Pada zaman positivisme ilmiah, muncul tokoh sosiologi sastra terpenting: Hippolyte Taine (1766-1817). Dia adalah seorang sejarawan kritikus naturalis Perancis, yang sering dipandang sebagai peletak dasar bagi sosiologi sastra modern. Taine ingin merumuskan sebuah pendekatan sosiologi sastra yang sepenuhnya ilmiah dengan menggunakan metode-metode seperti yang digunakan dalam ilmu alam dan pasti. Dalam bukunya History of English Literature (1863) dia menyebutkan bahwa sebuah karya sastra dapat dijelaskan menurut tiga faktor, yakni ras, saat (momen), dan lingkungan (milieu). Bila kita mengetahui fakta tentang ras, lingkungan dan momen, maka kita dapat memahami iklim rohani suatu kebudayaan yang melahirkan seorang pengarang beserta karyanya. Menurut dia faktor-faktor inilah yang menghasilkan struktur mental (pengarang) yang selanjutnya diwujudkan dalam sastra dan seni. Adapun ras itu apa yang diwarisi manusia dalam jiwa dan raganya. Saat (momen) ialah situasi sosial-politik pada suatu periode tertentu. Lingkungan meliputi keadaan alam, iklim, dan sosial. Konsep Taine mengenai milieu inilah yang kemudian menjadi mata rantai yang menghubungkan kritik sastra dengan ilmu-ilmu sosial. Pandangan Taine, terutama yang dituangkannya dalam buku Sejarah Kesusastraan Inggris, oleh pembaca kontemporer asal Swiss, Amiel, dianggap membuka cakrawala pemahaman baru yang berbeda dan cakrawala anatomis kaku (strukruralisme) yang berkembang waktu itu. Bagi Amiel, buku Taine ini membawa aroma baru yang segar bagi model kesusastraan Amerika di masa depan. Sambutan yang hangat terutama datang dari Flaubert (1864). Dia mencatat, bahwa Taine secara khusus telah menyerang anggapan yang berlaku pada masa itu bahwa karya sastra seolah-olah merupakan meteor yang jatuh dari langit. Menurut Flaubert, sekalipun segi-segi sosial tidak diperlukan dalam pencerapan estetik, sukar bagi kita untuk mengingkari keberadaannya. Faktor lingkungan historis ini sering kali mendapat kritik dari golongan yang percaya pada ‘misteri’ (ilham). Menurut Taine, hal-hal yang dianggap misteri itu sebenarnya dapat dijelaskan dari lingkungan sosial asal misteri itu. Sekalipun penjelasan Taine ini memiliki kelemahan-kelemahan tertentu, khususnya dalam penjelasannya yang sangat positivistik, namun telah menjadi pemicu perkembangan pemikiran intelektual di kemudian hari dalam merumuskan disiplin sosiologi sastra. 3. Teori Sastra Marxis Pendekatan sosiologi sastra yang paling terkemuka dalam ilmu sastra adalah Marxisme. Kritikus-kritikus Marxis biasanya mendasarkan teorinya pada doktrin Manifesto Komunis (1848) yang diberikan oleh Karl Marx dan Friedrich Engels, khusunya terhadap pernyataan bahwa perkembangan evolusi historis manusia dan institusi-institusinya ditentukan oleh perubahan mendasar dalam produksi ekonomi. Peruhanan itu mengakibatkan perombakan dalam struktur kelas-kelas ekonomi, yang dalam setiap jaman selalu bersaing demi kedudukan sosial ekonomi dan status politik. Kehidupan agama, intelektual, dan kebudayaan setiap jaman termasuk seni dan kesusastraan – merupakan ‘ideologi-ideologi’ dan ‘suprastruktur-suprastruktur’ yang berkaitan secara dialektikal, dan dibentuk atau merupakan akibat dari struktur dan perjuangan kelas dalam jamannya (Abrams, 1981:178). Sejarah dipandang sebagai suatu perkembangan yang terus-menerus. Daya-daya kekuatan di dalam kenyataan secara progresif selalu tumbuh untuk menuju kepada suatu masyarakat yang ideal tanpa kelas. Evolusi ini tidakberjalan dengan mulus melainkan penuh hambatan-hambatan. Hubungan ekonomi menimbulkan berbagai kelas sosial yang saling bermusuhan. Pertentangan kelas yang terjadi pada akhirnya dimenangkan oleh suatu kelas tertentu. Hubungan produksi yang baru perlu melawan kelas yang berkuasa agar tercapailah suatu tahap masyarakat ideal tanpa kelas, yang dikuasai oleh kaum proletar. Bagi Marx, sastra dan semua gejala kebudayaan lainnya mencerminkan pola hubungan ekonomi karena sastra terikat akan kelas-kelas yang ada di dalam masyarakatnya. Oleh karena itu, karya sastra hanya dapat dimengerti jika dikaitkan dengan hubungan-hubungan tersebut (Van Luxemburg, 1986:24-25). Menurut Lenin, seorang tokoh yang dipandang sebagai peletak dasar bagi kritik sastra Marxis, sastra (dan seni pada umumnya) merupakan suatu sarana penting dan strategis dalam perjuangan proletariat melawan kapitalisme. 4. George Lukacs: Sastra Sebagai Cermin George Lukacs adalah seorang kritikus Marxis terkemuka yang berasal dari Hungaria dan menulis dalam bahasa Jerman (Damono, 1979:31). Lukacs mempergunakan istilah “cermin” sebagai ciri khas dalam keseluruhan karyanya. Mencerminkan menurut dia, berarti menyusun sebuah struktur mental. Sebuah novel tidak hanya mencerminkan ‘realitas’ tetapi lebih dari itu memberikan kepada kita “sebuah refleksi realitas yang lebih besar, lebih lengkap, lebih hidup, dan lebih dinamik” yang mungkin melampaui pemahaman umum. Sebuah karya sastra tidak hanya mencerminkan fenomena idividual secara tertutup melainkan lebih merupakan sebuah ‘proses yang hidup’. Sastra tidak mencerminkan realitas sebagai semacam fotografi, melainkan lebih sebagai suatu bentuk khusus yang mencerminkan realitas. Dengan demikian, sastra dapat mencerminkan realitas secara jujur dan objektif dan dapat juga mencerminkan kesan realitas subjektif (Selden, 1991:27). Lukacs menegaskan pandangan tentang karya realisme yang sungguh-sungguh sebagai karya yang memberikan perasaan artistik yang bersumber dari imajinasi-imajinasi yang diberikannya. Imajinasi-imajinasi itu memiliki totalitas intensif yang sesuai dengan totalitas ekstensif dunia. Penulis tidak memberikan gambaran dunia abstrak melainkan kekayaan imajinasi dan kompleksitas kehidupan untuk dihayati untuk membentuk sebuah tatanan masyarakat yang ideal. Jadi sasarannya adalah pemecahan kontradiksi melalui dialektika sejarah. 5. Bertold Brecht: Efek Alienasi Bertold Brecht adalah seorang dramawan Jerman yang terhakar jiwanya ketika membaca buku Marx sekitar tahun 1926. Drama-dramanya bersifat radikal, anarkistik, dan anti borjuis. Sebagai seorang yang anti terhadap paham-paham realisme sosialis, ia terkenal sebagai penentang aliran Aristoteles. Aristoteles menekankan universalitas dan kesatuan aksi tragik dan identifikasi penonton terhadap pahlawan-pahlawan positif untuk menghasilkan ‘katarsis’ (pelepasan hehan) perasaan. Menurut Brecht, dramawan bendaknya menghindari alur yang dihuhungkan secara lancar dengan makna dan nilai-nilai universal yang pasti. Fakta-fakta ketidakadilan dan ketidakwajaran perlu dihadirkan untuk mengejutkan dan mengagetkan penonton. Penonton jangan ditidurkan dengan ilusi-ilusi palsu. Para pelaku tidak harus menghilangkan personalitas dirinya untuk mendorong identifikasi penonton atas tokoh-tokoh pahlawannya. Mereka harus mampu menimbulkan efek alienasi (keterasingan). Pemain bukan berfungsi menunjukkan melainkan mengungkapkan secara spontan individualitasnya (Selden, 1991:30-32). 6. Aliran Frankfurt Aliran Frankfurut adalah sebuah aliran filsafat sosial yang dirintis oleh Horkheimer dan Th. W. Adorno yang berusaha menggabungkan teori ekonomi sosial Marx dengan psikoanalisis Freud dalam mengkritik teori sosial kapitalis (Hartoko, 1986:29-30). Dalam bidang sastra, estetika Marxis Aliran Frankfurt mengembangkan apa yang disebut “Teori Kritik” (dimulai tahun 1933). Teori Kritik merupakan sebuah bentuk analisis kemasyarakatan yang juga meliputi unsur-unsur aliran Marx dan aliran Freud. Tokoh-tokoh utama dalam filsafat dan estetika adalah: Max Horkheimer, Theodor Adorno, Berhert Marcuse dan J. Habermas (Selden, 1993:32-37). Seni dan kesusastraan mendapat perhatian istimewa dalam teori sosiologi Frankfurt, karena inilah satusatunya wilayah di mana dominasi totaliter dapat ditentang. Adorno mengkritik pandangan Lukacs bahwa sastra berbeda dari pemikiran, tidak mempunyai hubungan yang langsung dengan realitas. Keterpisahan itu, menurut Adorno, justru memberi kekuatan kepada seni untuk mengkritik dan menegasi realitas, seperti yang ditunjukkan oleh seni-seni Avant Garde. Seni-seni populer sudah bersekongkol dengan sistem ekonomi yang membentuknya, sehingga tidak mampu mengambil jarak dengan realitas yang sudah dimanipulasi oleh sistem sosial yang ada. Mereka memandang sistem sosial sebagai sebuah totalitas yang di dalamnya semua aspek mencerminkan esensi yang sama (masyarakat satu dimensi). Adorno menolak teori-teori tradisional tentang kesatuan dan pentingnya individualitas (paham ekspresionisme) atau mengenai bahasa yang penuh arti (strukturalisme) karena hanya membenarkan sistem sosial yang ada. Menurutnya, drama menghadirkan pelaku-pelaku tanpa individualitas dan klise-klise bahasa yang terpecah-pecah, diskontinuitas wacana yang absurd, penokohan yang memhosankan, dan ketiadaan alur. Semuanya itu menimbulkan efek estetik yang menjauhkan realitas yang dihadirkan dalam drama itu, dan inilah sebuah pengetahuan tentang eksistensi dunia modern sekaligus pemberontakan terhadap tipe masyarakat satu dimensi. 7. Teori-Teori Neomarxisme Kaum Neomarxis merupakan pemikir sastra yang meneliti ajaran Marx (khusus pada masa mudanya), dan dengan bantuan sosiologi, ingin menjadikannya relevan dengan masyarakat modern. Mereka tidak mendasarkan argumennya pada Marx, Lenin, dan Engels sebagai dogma politik, ataupun menerima supremasi Partai Komunis terhadap budaya dan ilmu. Kaum Neomarxis hanya mengambil ajaran Marx sebagai sumber inspirasi, khususnya dalam hal studi kritik sastra Marxis (Fokkema & Kunne-Ibsch, 1977:115). Aliran Frankfurt, oleh beberapa pengamat dipandang sebagai salah satu bentuk teori Neomarxis. Tokoh-tokoh pentingnya antara lain Fredric Jameson, Walter Benjamin, Lucien Goldman, dan Th. Adorno. Neomarxisme lebih bersifat epistemologis daripada politis. Mereka menganut paham “metode dialektik”. Sekalipun lingkup diskusi mereka sangat luas, lagi pula pandangan mereka tidak secara khusus diterapkan pada Teori Sastra saja, Th. Adorno meagemukakan bahwa ada empat gagasan pokok dalam pembicaraan aliran ini (Fokkema & Kunne-Ibsch, 1977:134-135). 1) Metode dialektika dapat memberikan suatu pemahaman mengenai totalitas masyarakat’. Penggunaan metode ini mencegah kekerdilan pandangan terhadap seni hanya sebagai fakta atau masalah. Metode ini merupakan suatu bagian kajian ilmiah yang mampu mempelajari konteks sosial suatu fakta estetik. Di samping mendalami objek (seni) tertentu, mereka juga harus menguji objek itu yang ditempatkan sebagai subjek dalam masyarakat. Studi mereka dapat terfokus pada konteks historis, dengan melakukan observasi terhadap fenomena-fenomena serta harapan tertentu mengenai implikasinya di masa depan. Objek kajian metode dialektika tidak terbatas, karena masyarakat yang satu merupakan totalitas dalam dialektika kata. 2) Metode dialektik berorientasi pada hubungan antara konkretisasi sejarah umum dan sejarah individual. Konteks kajiannya bukan hanya sekedar masa lampau tetapi juga masa depan. Masa depan memang terbuka untuk berbagai kemungkinan, namun dia ditentukan oleh intensi-intensi yang telah ditetapkan manusia, masyarakat, sejarah. Setiap bidang (ilmu, politik, sejarah) selalu mengandung aspek teleologis (tujuan, sasaran) berkenaan dengan masa depan yang masih jauh. 3) Aspek teleologikal itu tergantung kepada perbedaan antara hukum kebenaran yang tampak dan kebenaran esensial. Hanya fenomena-fenomena yang tampak secara nyatalah yang dapat dikaji secara empiris, tetapi tetap harus dipandang dalam kerangka kebenaran esensial. Jadi aspek teleologis memiliki identitas ganda terhadap suatu subjek: dapat mencapai kesadaran yang benar (yang lebih tinggi), tetapi dapat pula mencapai kesadaran yang salah (yang lebih rendah) tergantung pada konteks yang berbeda-beda. 4) Perlu diperhatikan perbedaan antara teori dan praktik, antara objek bahasa dan metabahasa, dan antara fakta-fakta hasil observasi dengan nilai-nilai yang dilekatkan pada fakta itu. Subjek harus selalu menyadari posisinya dalam masyarakat. Identitas tidak lagi terletak di antara dua konsep, melainkan tergantung pada relasi subjek dan objeknya, antara proses berpikir dan realitasnya. Berdasarkan metode berpikir dialektis tersebut, Fredric Jameson mengungkapkan bahwa hakikat suatu karya sastra dapat diketahui dari penelitian tentang latar belakang historisnya. Kita tidak hanya sekedar ingin menangkap nilai-nilai yang sempit pada permukaan (seperti dilakukan kaum New Criticism), melainkan harus dapat menemukan hubungan orisinal antara Subjek dan Objek sesuai dengan kedudukannya (Culler, 1981:1213). Jadi hasil kritik dialektikal itu bukan hanya sekedar suatu interpretasi sastra, melainkan juga sejarah model interpretasi dan kebutuhan akan suatu model interpretasi yang khusus. Dalam bukunya The Political Unconscious: Narrative As a Socially SimhoUc Act (1981), Jameson mengusulkan interpretasi politik terhadap sastra. Perspektif politik ini tidak merupakan metode pelengkap atau tambahan pada metode lainnya (seperti: psikoanalisis, kritik mitos, stilistika, etika, strukturalisme) melainkan suatu pandangan politik yang absolut. Dasar pandangannya adalah bahwa setiap teks mengandung resonansi sosial, historis, dan polios. Dengan persepsi bahwa cerita hanyalah permukaan sebuah teks yang menguhur sejarahnya yang hakiki, maka pentinglah analisis mengenai ‘ketaksadaran politis’ dalam teks-teks sastra. Dalam setiap teks tercakup beragam operasi mental sehingga pemahaman dialektikal pun sifatnya tidak mutlak. Metode dialektika menempatkan karya sastra sebagai subjek yang mengandung totalitas masyarakatnya. Jameson mengungkapkan kekecewaannya terhadap paradigma dan ohsesi intelektual paham strukturalisme selama kurun abad kedua puluh, yang ingin memikirkan persoalan-persoalan hidup dan totalitasnya melalui sarana bahasa dalam teks sastra (Eagleton, 1983:97). Menurut dia, bahasa hanya akan menjadi semacam penjara bagi persoalan hidup dan totalitasnya karena hidup dan permasalahannya terlalu luas untuk diwadahi oleh sarana bahasa. Menurut Jameson, sebuah karya individual selalu merupakan bagian dari struktur yang lebih besar. Dengan demikian bentuk dan struktur karya individual harus selalu dipahami dalam dimensi sejarah, yang secara dominan dilandaskan pada dasar (infrastructure) ekonomi. Sekalipun faktor-faktor yang memengaruhi pengarang menuangkan gagasannya sangat beragam, namun kekuatan-kekuatan itu mempunyai satu hasis utama, yakni ekonomi. Ekonomi dan efek-efeknya merupakan taktor utama yang melahirkan suprastruktur: budaya, ideologi, filsafat, agama, hukum, bahkan pemerintah dan negara. Manusia selalu berada dalam situasi ‘ketaksadaran politik. Teks-teks sastra pun mengandung ketaksadaran politik, yang menawarkan strategi bagi pengbilangan kontradiksi-kontradiksi sejarah. Pengarang individual seolah dihius oleh ketaksadaran politik ini, sehingga dia secara tidak sadar mengungkapkan modusmodus heterogenitas di luar teks. Heterogenitas sosial mengakibatkan keberagaman teks. Dengan demikian tidak ada suatu kerangka referensi yang pasti dan mutlak yang diperlukan sebagai model acuan bagi eksplikasi tekstual. Setiap teks membutuhkan kategori-kategori eksplikasi tertentu sesuai dengan kekhususannya, dan sifatnya pun hanya sekedar menggambarkan saat tertentu. Terry Eagleton juga seorang kritikus Neomarxis yang berusaha meng-hidupkan kembali kritik Marx di Inggris dan menghasilkan kritik impresif terhadap tradisi kritik Inggris melalui revolusi radikal perkembangan novel Inggris (Selden, 1991:42). Tugas utama kritik sastra, menurut dia, adalah mendefinisikan hubungan antara sastra dan ideologi, karena sastra tidak merupakan cerminan kenyataan melainkan mengandung efek ideologis yang nyata (Selden, 1991:43). Pada bagian penutup bukunyaLiterary Theory: An Introduction (1985:194), Eagleton menyebut teori-teori sastra modem yang ‘murni’ sebagai mitos airaftemik yang melarikan diri dari kondisi huruk sejarah modern. Teoriteori itu, ironisnya, justru menjadi pelarian dari realitas menuju sejumlah alternatif tanpa batasan. Mereka bukannya terlihat dengan situasi konkret manusia, tetapi melarikan diri kepada puisi itu sendiri, masyarakat organik (yang bulat dan utuh, bukannya terpecah-pecah), kebenaranabadi, imajinasi, struktur pemikiran manusia, mitos, bahasa, dan sebagainya. Bagi Eagleton, alternatif-alteraatif pelarian itu lebih merupakan penipuan. Secara ironis, Eagleton menilai teori-teori itu sebagai proyek kaum Scrunity (= peneliti yang cermat), yang sudah saatnya ditinggalkan karena sukar, abstrak, dan absurd (Culler, 1988:57-68). Secara umum, Eagleton merasa kecewa terhadap ideologi borjuis yang telah terbukti menelantarkan kaum miskin dan lemah ke dalam marginalitas sosial politik. Sebagaimana Jameson, Eagleton juga mengusulkan kritik politik. Menurut dia, politik adalah semua cara pengaturan kehidupan bermasyarakat yang meli-hatkan hubungan kekuasaan di dalamnya. Dalam kehidupan bermasyarakat selalu terlihat ideologi tertentu. Teori kritik sastra harus mendefinisikan model ideologi tersebut. Asumsi dasamya adalah sastra secara vital terlihat dalam kehidupan konkret manusia dan bukan sekedar gambaran abstrak (1985:196). Seorang peneliti sastra harus membongkar gagasan-gagasan kesusastraan dan menempatkan ideologi yang berperan membentuk subjektivitas pembaca, dan lebih jauh menghasilkan efek-efek politis tertentu yang harangkali tidak diharapkan (Selden, 1991:45). Dia melinat bahwa kebanyakan studi sastra memulai pendekatan secara benar, tetapi kemudian gagal dalam melihat relevansi sosial-politiknya, lebih-lebih karena tidak ada relevansinya sama sekali dengan ideologi. Kebanyakan kritik sastra justru lebih memperkuat sistem-sistem kekuasaan daripada menentangnya. 8 Rangkuman Teori-teori sosiologi sastra mempersoalkan kaitan antara karya sastra dan ‘kenyataan’. Sebenarnya teori sosiologi sastra inilah yang paling tua usianya dalam sejarah kritik sastra. Dalam kenyataannya, teori yang sudah dirintis oleh filsafat Plato (Abad 4-3 SM) tentang ‘mimesis’ itu baru mulai dikembangkan pada abad 17-18 — yakni zaman positivisme ilmiah — oleh Hippolite Taine dan berkembang pesat pada awal abad ke-19 dengan dicanangkannya doktrin Manifesto Komunis oleh Marx dan Engels. Studi-studi sosiologis terhadap sastra menghasilkan pandangan bahwa karya sastra dalam taraf tertentu merupakan ekspresi masyarakat dan bagian dari suatu masyarakat. Kenyataan inilah yang menarik perhatian para teoretisi sosiologi sastra untuk mencoba menjelaskan pola dan model hubungan resiprokal itu. Penjelasan Taine dengan menggunakan metode-metode ilmu pasti menarik perhatian, namun ciri positivistis dalam teorinya menimbulkan permasalahan yang rumit mengenai hakikat karya sastra sebagai ‘karya fiksi’. Teori-teori Marxisme, yang memandang seni (sastra) sebagai ‘alat perjuangan politik’ terlalu menekankan aspek pragmatis sastra dan dalam banyak hal mengabaikan struktur karya sastra. Pemikir-pemikir Neomarxis memanfaatkan filsafat dialektika materialisme Marx untuk mendefinisikan aspek ideologi, politik, dan hubungan ekonomi suatu masyarakat. Asumsi epistemologis mereka adalah bahwa sastra menyimpan sejarahnya yang sebenarnya dan menjadi tugas studi sastra untuk mendefinisikannya secara jelas.

Blog at WordPress.com.

Smile Life

When life gives you a hundred reasons to cry, show life that you have a thousand reasons to smile

Get in touch

© Copyright 2015 - 2024 PDFFOX.COM - All rights reserved.