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FESTIVAL INTRNACIONAL DE LAS ARTES

El Instituto Nacional de Bellas Artes, en estrecha colaboración con el Comité Organizauor de los Juegos de la XIX Olimpiada, se encargó de la organización general del Festival Internacional de las Artes. Bajo la dirección del Sr. José Luis Martínez, se llevó al cabo la organización y realización de este evento,’ contando con la inmediata participación de las personas encargadas de los distíntos departamentos que estructuran el INBA. Pero también el Instituto Nacional de Bellas Artes contó con la ayuda y la presencia de otros organismos oficiales o privados -y de las embajadas de los países participantes que se unieron para el mejor logro de este Festival. En suma, se presentaron ocho grupos teatrales extranjeros (Teatro laboratorio de Grotowski, Compañía de Jacques Mauclair, Teatro Noh y Kyogen, Píraikon Theatron, la linterna Mágica, Teatro de Cámara de Alemania, 1 Musicisti), un Festival de Teatro latinoamericano y 21 obras montadas por grupos mexicanos; 27 compañías de ballet clásico, moderno y folklórico; 14 conjuntos sinfónicos y d e cámara y corales, además de solistas como Claudio Arrau, Paul Badura-Skoda, Van Cliburn, Dúo Gorini Lorenzi, Samsom Frangois, Eugene Malinin, Marina Yashvilli, Maurice Chevalier, Goar Gasparian, Shmuel Ashkenasi, Netania Davrath, Rosalinda García, Morella Muñoz, Alirio Díaz, Hanna Aroni. Estuvieron también presentes la Opera de Berlín, los conjuntos de Duke Ellington, Dave Brubeck, Herbie Mann, Woody Herman, “Cannonball” Adderley, Newport All Stars, los Swingle Singers y el Trío Jacques Loussier. La residencia oficial del Instituto Nacional de Bellas Artes se encuentra en el Palacio de Bellas Artes, escenario oficial de la vida cultural mexicana, en el que se celebraron la mayor parte de las actividades. El INBA cuenta con otros locales que. Fueron también testigos de este Festival que no sólo consiguió reunir a conjuntos teatrales, de danza folklórica y moderna y de ballet clásico,

compañías de ópera, solistas y grupos orquestales o de cámara de la más alta calidad internacional, sino también exposiciones y conferencias en las que tuvieron acceso todas las tendencias y las más diversas actitudes. Al lado de estos hechos y nombres sobresalientes en el mundo artístico, numerosas manifestaciones de¡ movimiento cultura¡ mexicano fueron también presentadas las artes, además de mostrar al mundo un cierto momento de¡ estado actual de¡ arte y el pensamiento nacionales, conjugaron una riquísima tradición con el más abierto afán de contemporaneidad. Situado en el corazón de la Ciudad de México, el Palacio de Bellas Artes trató - de ser otro de los sueños del porfiriano. El proyecto de construcción, como muchos de ese tiempo, fue encargado al arquitecto italiano Adamo Boari. Inconclusa su fábrica, conoció el fin del porfiriato y de esos sueños y el cambio experimentado por el país gracias al movimiento revolucionario, uno de cuyos gobiernos la terminó. Ampliado por dentro, se inauguró en 1934 y ha conocido el progresivo desarrollo de un arte nacido en el México de estos últimos años y el paso de las más altas personalidades del arte de todo el mundo. El material que ofrecemos como muestra de lo que fue el Festival Internacional de las Artes habla por sí mismo. La glosa particular de cada una de las funciones presentadas resultaría mínima y, en cierto modo, innecesaria. Lo cierto es que el Festival constituyó una riquísima confrontación amistosa dentro de lo que cada país hace en el terreno del arte y, ante todo y sobre todo, una inolvidable experiencia para los espectadores que tuvieron la suerte de seguirlo paso a paso, de comprobar que, en la variedad infinita, podía escucharse y hablarse un idioma común que pretende, consiguiéndolo siempre, otorgar una más alta razón a nuestra existencia.

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Página 206- El Palacio de Bellas Artes, máximo escenario de las actividades culturales en México, fue el recinto oficial de los eventos que constituyeron el Festival Internacional de las Artes. Arriba: El C. Presidente Constitucional y la Primera Dama de la República, a su llegada a Bellas Artes para asistir a la Inauguración del Programa Cultural. Les acompañan el Sr. Avery Brundage, presidente del COI, el Lic. Alfonso Corona del Rosal, regente de la Ciudad, el Lic. Agustín Yáñez, secretario de Educación, el Arq. Pedro Ramírez Vázquez, presidente del COO, y sus esposas.

Llegada de la Orquesta Hallé, uno de los conjuntos sinfónicos que serían aplaudidos en el Teatro de Bellas Artes. Gerry Mulligan vino con el cuarteto de Dave Brubeck para dar relevancia a sus presentaciones en México La bella israelí Hanna Aroni cantaría en diez idiomas. El Quinteto de “Cannonball” y Nat Adderley, Zawiuni y McCurdy. Martha Graham, sacerdotisa de la danza, y J. L. Brown.

ORQUESTA HALLE. Charles Hallé llegó a Manchester en 1848, cuando la Revolución Francesa le obligó a abandonar París. Aceptó en 1850 el cargo de director y administrador de la orquesta para los “Gentlemen’s Concerts”, que existían ya desde 1770, e inició su reorganización. En 1857 se le pidió que formara una orquesta cuyas interpretaciones se asociaran dignamente con la exposición de los cuadros más famosos y valiosos del mundo. El éxito de Hallé con esta orquesta fue inmediato e impresionante. Así nació y ha perdurado hasta nuestros días “Conciertos de la Orquesta de Charles Hallé”. Sus directores más famosos han sido Sir Edward

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Elgar, Sir Thomas Beecham, Landon Ronald, Hearty, Pierre Monteux, Malcom Sargent y, actualmente, Sir John Barbirolli (arriba). La Orquesta Hallé conoció después de la Segunda Guerra Mundial lo que Michael Kennedy, crítico del “Daily Telegraph”, ha catalogado como Ia edad de oro de Barbirolli”, ya que gracias a este gran director la Orquesta ha recobrado su anterior grandeza. Durante la gira que la Orquesta Hallé realizó por América latina, se celebraron los veinticinco años de ser su director titular Sir John Barbirolli.

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ORQUESTA SINFONICA DE PARIS. La Asociación para la Orquesta de París se fundó en junio de 1967 por iniciativa de André Malraux, Ministro de Estado encargado de los Asuntos Culturales. El director de la Orquesta fue, hasta su muerte acaecida a finales de 1968, Charles Munch, cuya prestigiosa carrera mundial es de todos conocida. Para su presentación en México Jean-Píerre Jacquillat (abajo) asumió la dirección de la Orquesta, elegido por el mismo Munch como su asistente, compartiendo la batuta con Jean Martinon (arriba). La Orquesta de París está integrada por 110 instrumentistas cuya mayor parte proviene de conjuntos franceses o extranjeros, que han satisfecho

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las pruebas de un concierto. En México, la Orquesta de París ofreció cuatro programas y contó con la participación de dos solistas: Jacques Delecluse, que interpretó los “Pájaros exóticos”, una de las obras capitales de Oliver Messiaen, y Alexis Weissenberg, bien conocido W público mexicano pues ha residido en México por muchos años, quien tuvo a su cargo la parte solista de los “Concerti” N°2 en sí bemol mayor de Brahms y N°3 de Prokofiev. Jean Pierre Jacquillat ha dirigido importantes conjuntos sinfónicos europeos y, al igual que Jean Martinon, ha participado en Festivales de Música y se ha preocupado por dar a conocer las obras más representativas de los

compositores contemporáneos, tanto franceses como de otros países, obras que han sido íncluidas en el repertorio de la Orquesta Sinfónica de París. Joven conjunto, mereció el honor de contar con las indicaciones siempre sabias de Charles Munch, cuya figura no podrá ser olvidada.

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ORQUESTA SINFONICA NACIONAL. Dentro de su programa anual de conciertos,este conjunto ofreció un homenaje a Claude Debussy con ocasión del cincuentenario de su muerte, celebración que corrió pareja con la ofrecida por la Sección de Música de¡ INBA a base de obras de cámara. La Orquesta Sinfónica Nacional invitó a varios directores y solistas mexicanos y extranjeros a colaborar en este excepcional año musical. Nacido en México, su director titular, Luis Herrera de la Fuente (arriba) dirige también otra importante Orquesta Sinfónica de América latina: la del Perú y fue asimismo titular de la de Chile. Entre los directores invitados a esta temporada se encontraron Igor Markevich (pág. 218) que según Bela Bartok es “una de las personalidades más prodigiosas de la música contemporánea” y para quien el Conservatorio de Moscú creó una cátedra de dirección orquestal; Francisco Savín, director del Con servatorio de Música de México, autor de diversas partituras para orquesta y conjuntos de música de cámara y vocal; y Eduardo Mata (pág. 222 abajo, derecha), j o v e n músico mexicano que ha estudiado con Max Rudolf, Erich Leirisdorf e Igor Kipnis en Tanglewood (Mass.), ciudad cuya orquesta dirigió en 1964, así como con el distinguido compositor mexicano Carlos Chávez. Entre los solistas seña lamos al violinista Henryk Szering nacido en Varsovia, naturalizado mexicano, cuyo repertorio incluye más de 40 conciertos y que ha tocado con las

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mejores orquestas del mundo; el pianista francés Bernard Ringeissen, ganador de premios importantes como el Aldo Ciccolinni de Nápoles, el del certamen de Ginebra y el internacional Chopin de Varsovia; luz María Puente (pág. 222 abajo, centro), que estudió piano en el Conservatorio de Música de México y c o n Bernard Flavigny; la mezosoprano Aurora Woodrow (pág. 222 con aretes, foto de arriba), cuyos estudios de canto comienzan en 1952; Irma González una de las mejores sopranos mexicanas de este siglo, dueña de una hermosa voz de cálido timbre; David Portilla, tenor y el barítono Luis Beckmann (pág. 222 arriba, fila de atrás). Participaron también el Coro de la Sección de Música del INBA, que dirige José Ignacio Avila; el Coro Bach fundado hace unos treinta años por Paula Bach-Conrad; el Coro de Madrigalistas creado en 1939 y que dirige Jesús Macías; y el Coro Hazamir, compuesto por aficionados y dirigido por Abel Eisenberg. Además de esta temporada de que dejamos constancia, la Orquesta Sinfónica Nacional ofreció otra serie durante la temporada de otoño y conciertos para el pueblo y para estudiantes.

ORQUESTA DE CAMARA INGLESA. Desde su formación en 1948, este conjunto se especializó en música del siglo XVIII. Ha efectuado numerosas giras por Europa y el Medio Oriente y se presentó en la Expo ‘67 de Montreal con el grupo inglés de ópera. El conjunto actúa regularmente en la radio y televisión británicas y en los Conciertos Promenade durante el verano. Raymond Leppart, su director (izquierda), es también especialista de la música de Monteverdi y de los compositores venecianos del siglo XVII. Ha presentado exitosamente, entre otras, “la coronación de Popea” y el “Orfeo” de Monteverdi, así como el “Armindo” de Cavalli, en el Festival de Glyndebourne.

I SOLISTI VENETI. Este conjunto se ha propuesto, esencialmente, ofrecernos un retrato de Venecia en el siglo XVII. I Solisti Veneti ha sido aclamado en toda Europa como uno de los más sobresalientes conjuntos de cámara. La mayor parte de sus integrantes provienen, precisamente, de la región veneciana y se han graduado en el Conservatorio de Música de Venecia. Aunque como hemos dicho, se distingue por sus interpretaciones de música italiana de los siglos XVII y XVIII y, en especial de compositores venecianos, en sus programas incluye también obras románticas poco conocidas y partituras que algunos compositores han escrito especialmente para este distinguido grupo.

I MUSICI (enfrente). A la música de cámara se la ha llamado “la música de los amigos”. Este arte intimista requiere del más profundo entendimiento entre sus ejecutantes. I Musici (los Músicos) es el significativo nombre de un pequeño grupo de melómanos que se unieron para formar lo que Toscanini considera “la mejor orquesta de cámara del mundo”. El conjunto se ha dedicado especialmente a descubrir y a revivir los tesoros musicales del siglo XVII y XVIII.

QUINTETO VARSOVIA (arriba). De reciente creación, este conjunto está formado por Krzystof Jakowicz (primer violín), Andrzej Siwy (segundo violín), Stefan Kamasa (viola), Aleksander Ciechnski (violonchelo) y Wladislaw Szpilman (piano). Una noche que asistió a uno de sus conciertos el director de la Agencia Artística del Estado, se entusiasmó de tal manera que convirtió al Quinteto de Varsovia en grupo oficial permanente. Desde entonces, ofrece conciertos en los grandes centros musicales.

ORQUESTA DE CAMARA DE VARSOVIA. Fue fundada por el notable violinista Karol Teutsch (izquierda). Dieciséis músicos la componen, todos ellos solistas y concertistas de la Orquesta Filarmónica Polaca. El conjunto toca sin director; el maestro Teutsch la dirige desde el primer atril. Después de su debut en 1963, la orquesta fue invitada a grabar en Berlín Occidental (1966) y a participar en el Festival de Música de Potsdam. Realizó giras por Europa, América y Japón.

ORQUESTA DE CAMARA DE TUBINGA. Es un conjunto musical de estudiantes que dirige Helmut Calgeer (derecha) y está considerado como uno de los mejores en su género. Hizo su presentación en México con varias “Cantatas” de Juan Sebastián Bach, interpretadas por solistas de fama mundial, como el tenor Hanno Blaschke y la soprano Charlotte Lehmann quien, ganadora de múltiples distinciones y los elogios de críticos, se ha destacado también como pedagoga.

MUSICA ANTIGUA DE LA UNIVERSIDAD CATOLICA DE CHILE (enfrente). Creado en 1954, este conjunto vocal e instrumental está actualmente dirigido por Silvia Soublette. Dos años después de la fundación de la sección musical de la Universidad de Chile (1960), su director Juan Orrego Salas invitó al conjunto a abrir una Escuela de Música Antigua. Ha recibido diversas distinciones y honores y una subvención de la Fundación Rockefeller consistente en instrumentos medievales y renacentistas así como una biblioteca.

ENSAMBLE MUSICAL DE BUENOS AIRES (arriba). Este conjunto cuya creación oficial data del 19 de octubre de 1966, está formado por músicos de la Orquesta Sinfónica Nacional, Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y Orquesta del Teatro Colón. Dio su primer concierto en el gran anfiteatro de la Facultad de Medicina de la capital argentina el 28 de noviembre de 1966. El Ensamble está dirigido por Pedro Ignacio Calderón, de fama internacional, director también de la Orquesta Filarmóníca de Buenos Aires.

CAPELLA MONACENSIS (enfrente). Los solistas muniqueses han dado nueva vida a diferentes formas musicales de un periodo que va desde el siglo XVIIII al siglo XVII. Este conjunto de músicos profesionales tiene dos grupos: uno vocal y el otro integrado esencialmente por instrumentos de aliento, de cuerda rasgada y de percusión, así como por laúd del Renacimiento, flautas dulces, cro-. mornos, bajo de viola, bombarda, dulción, etc. Su director es Kurt Weinjoeppel.

ORQUESTA DE CAMARA “PRO MUSICA ANTIGUA” DE BRUSELAS (arriba). Fundada por Safford Cape, el conjunto “Pro Música Antiqua” ha tenido importancia capital en el redescubrimiento y difusión de la música de la Edad Media y el Renacimiento. Dos de sus grabaciones han merecido el “Gran Premio del Disco” de París (1957). Desde ese año, Safford Cape dirige el Seminario de Música Antigua que se reúne en la ciudad de Brujas. En México, el conjunto ofreció tres diferentes programas de su especialidad.

CLAUDIO ARRAU (arriba). Dando prueba de extraordinarias dotes musicales desde muy pequeño, Arrau empezó a tocar el piano a los tres años de edad; dos años más tarde, ofreció en Santiago de Chile un brillante recital que le valió la atención de las autoridades oficiales. Obtuvo así una beca para estudiar en Alemania, donde se perfeccionó con Martin Krause, discípulo de Liszt. Desde entonces, Arrau emprendió una vertiginosa ascensión en el mundo de la música.

PAUL BADURA-SKODA (enfrente). “Descubierto” en 1949 por Furtwängler y von Karajan, fue invitado para que tocara con ellos como solista. Badura-Skoda es un músico completo; no sólo es concertista, sino compositor, profesor, director de orquesta y musicólogo. BaduraRoda se ha dedicado especialmente a la “rehabilitación” de la música de Schubert, de la cual se le considera uno de los especialistas más prestigiosos. Su recital “Schubert” ofrecido en México puede ser considerado inolvidable.

VAN CLIBURN (enfrente, arriba). En 1958, después de resultar triunfador en el concurso Chaikovski de Moscú, Van Cliburn regresó a los Estados Unidos convertido en un héroe norteamericano. Como tal, se le otorgó la primera magna recepción con desfile concedida a un músico y fue felicitado personalmente por el presidente Eisenhower. Desde entonces, su carrera de pianista fue esplendorosa y ha conocido los aplausos de crítica y público de todo el mundo. DUO GORINI-LORENZI (enfrente, abajo). En 1944, se presentó por primera vez el dúo pianístico Gorini-Lorenzi. De inmediato, su trabajo fue reconocido por la crítica como verdaderamente significativo. Ha participado en gran número de festivales internacionales ofreciendo primeras audiciones de obras de autores contemporáneos, algunas de ellas dedicadas al dúo Gorini-Lorenzi. En el curso de su carrera, el dúo se ha presentado en las salas de conciertos más célebres de Europa, América y el Cercano Oriente. SAMSON FRAN çOIS (derecha). Inició sus estudios musicales a los cinco años en Italia y, al año siguiente, ofreció su primer concierto. En 1940, obtuvo, interpretando la “Tocata” de Debussy y la primera “Balada” de Chopin, el primer premio y la primera nominación en el Concurso del Conservatorio de París. Su carrera ha estado llena de éxitos crecientes y ha sido distinguido con el premio Marguerite Long-Jacques Thibaut y con el Gran Premio del Disco de la Academia del Disco Francés.

EUGENE MALININ. La consagración internacional de este pianista soviético data de 1949, cuando, a los diecinueve años, obtuvo el primer premio en el Festival Mundial de la Juventud en Budapest. En 1953, en un concurso en París, en el que se presentaron 89 jóvenes de distintos países, Malinin ganó el segundo premio. Ha triunfado, además de en la URSS, en Hungría, Checoslovaquia, Holanda, Suiza e Inglaterra, en donde ha sido cálidamente recibido por el público y la prensa. MARINA YASHVILLI. La más grande violinista georgiana y uno de los más jóvenes músicos que hayan ganado el título de Artista con Honores de la República Soviética de Georgía. En 1950 ingresó al Conservatorio de Moscú y posteriormente llevó cursos de post-graduada con K. Mostras. Siendo alumna del Conservatorio, tocó en tres competencias internacionales: la “Jan Kubelik ” en Praga, la “Henrick Wieniawski” de Posnan y la “Reina Elizabeth” en Bruselas; en las tres recibió el título de laureada. Un programa especial reunió en el Teatro de Bellas Artes a Marina Yashviili, que interpretó obras de Mozart. Tsintsadze, Szymanovski y Liszt; Eugene Malinin que tocó la “Sonata” de liszt y a Goar Gasparian, acompañada al piano por Elconora Voskian.

GOAR GASPARIAN. Nacida en Egipto de padres armenios, Goar Gasparian inició sus estudios con maestros italianos. Después de participar en numerosos recitales y conciertos en El Caíro, donde comenzó su carrera, se radicó en Erevan, capital de la República Soviética de Armenia, y allí en poco tiempo se convirtió en una de las cantantes más amadas de su país y más populares. Goar Gasparian ha hecho giras triunfales por Polonia, Rumania, Finlandia, Hungría, Checoslovaquia, Irán, Japón y otros muchos países.

SHMUEL ASHKENASI (arriba) nació en Tel Aviv en 1941 y comenzó a los ocho años los estudios de violín en la Academia de Israel. Cuatro años más tarde obtuvo el primer premio en el Concurso de Talento del Club de Periodistas. Actuó por primera vez en público con la orquesta Kos-lsrael y, a los catorce años, la Fundación Cultural América-Israel le concedió una beca para continuar sus estudios, Desde entonces, Ashkenasi ha hecho diversas giras triunfales por Europa y América. ALIRIO DIAZ Y MORELLA MUÑOZ (enfrente, izquierda) fueron seleccionados por el Instituto Nacional de la Cultura y de Bellas Artes de Venezuela, para representar a este país en el Programa Cultural de la XIX Olimpiada. Morella Muñoz es especialista en el terreno del “lied”, en el que ha logrado alcanzar lugar distinguido. Alirio Díaz ha estudiado guitarra con Regino Sáinz de la Maza y Andrés Segovia, de los que ha sido considerado como sucesor. Su repertorio abarca los títulos sobresalientes escritos para su instrumento.

NETANIA DAVRATH (enfrente, derecha) nació en la frontera ruso-polaca. En 1948 se dirigió a Israel, donde, siendo muy joven, dio varios recitales con la Opera de Tel Aviv. Su gran talento -canta en ocho idiomas- le permite abordar con perfección tanto el repertorio clásico como el folklórico. El director de orquesta Paul Kletzki dijo de ella: 7ersonalmente no había oído una voz como ésta en los últimos diez años.” las críticas de todo el mundo ofrecen múltiples testimonios del talento de Netania Davrath.

CORO DEL TABERNACULO MORMON DE SALT LAKE CITY (enfrente). Hace ciento veinte años que cantó por primera vez un coro mormón en el Valle W Gran Lago Salado (Utah). En menos de dos semanas se construyó un templo provisional para sus actuaciones, que fue inaugurado el 22 de agosto de 1847. En 1867 se terminó un nuevo auditorio con un cupo de 8 mil personas; hoy se le conoce con el nombre de “Tabernáculo de Salt Lake City”. El Coro del Tabernáculo ha ofrecido audiciones en distintos países.

HANNA ARONI (arriba). La bella cantante Hanna Aroni conquistó en muy pocos años un sitio importante dentro de los elegidos para la fama mundial. Su carrera ha estado llena de triunfos continuos que la llevaron, gracias a su decidida vocación, su deseo de perfeccionamiento y sus grandes dotes musicales, a presentarse en el Carnegie Hall de Nueva York y en la Opera de Chicago. Canta perfectamente en diez idiomas. Como lo acostumbra, presentó en México un programa improvisado.

OPERA DE BERLIN. Algunos aficionados al arte de Charlottenburgo fundaron su propia ópera con el nombre de “Opera Alemana”. Esta compañía, con el nuevo nombre de “Opera Municipal” se presentó al público el 7 de noviembre de 1912. Carl Ebert tomó la dirección de la orquesta en 1931 pero se exilió voluntariamente en 1933. Le sucedió Max von Schillings, quien murió tres meses más tarde. Tomaron sucesivamente la dirección de la compañía Bohnen y Heinz Tictien. De vuelta a Alemania en 1954, Ebert se hizo cargo de nuevo de la dirección y montó numerosas óperas de Mozart y Verdi, sin desdeñar por eso a los grandes clásicos de nuestro tiempo; entre otros: Hindemith, Alban Berg, Orff y Weill. Puso de moda las obras de Cherubini y Rossini y dio preferencia a sus contemporáneos, especialmente a Hans Werner Henze, nombre sobresaliente en la música de nuestros días. En 1963, Wicompañía fue invitada a la inauguración del Teatro Nissei de Tokio. Durante el otoño de 1966, Lorin Maazel fue nombrado director de música de la Opera de Berlín. En México, la Opera de Berlín presentó dos de las óperas mayores de Mozart y de todo el teatro operístico: “Cosi fan tutte” (arriba, izquierda), dirigida por Ferdinand Leitner, y “Las bodas de Fígaro” (abajo, izquierda), bajo la dirección de Heinrich Holireiser, y “Elegía para jóvenes amantes” (enfrente), ópera de Hans Werner Henze dirigida por el propio compositor. La dirección de los coros de los dos primeros programas estuvieron a cargo de Walter Hagen-Groll. Con la presencia de la Opera de Berlín, el público tuvo ocasión de admirar magníficas voces y excelentes puestas en escena de las óperas mozartianas y conocer la obra de Henze, trágica representación de la condición humana.

MAURICE CHEVALIER nació en Ménilmontant, París, el 12 de septiembre de 1887. De sitio y fecha ha hecho el principio de su mito, uno de los más sorprendentes en toda la historia del Music Hall”. A los diecisiete años, cuando se presentaba en El Dorado Club, conoce a Mistinguett, la fabulosa reina de los clubes nocturnos que lo invita a presentarse con ella en el Follies Bergère. Aparece luego en varias películas musicales francesas, así como en cafés. Desde entonces su nombre se vuelve familiar para todos los públicos: es un verdadero y auténtico ídolo. Quienes lo escucharon en su juventud, hacen de él sinónimo perfecto de todo un tiempo. Quienes lo escuchan ahora, lo convierten en un signo de nostalgia, en perfecta figura

para encabezar, como protagonista insustituible, una época que, gracias a él, todavía no se clausura. Solo, en el gran escenario de un teatro o en la intimidad de los cafés, Maurice Chevalier continúa vivificando su propio mito y del tiempo que le ha tocado en suerte vivir, del que es causa y producto pero que de mil maneras ha modificado a su antojo. Su mito se extiende aún por las pantallas cinematográficas y de televisión.

DUKE ELLINGTON. Este “genio completo”, como muchos críticos de todo el mundo lo han llamado, se expresa con una amplia gama de matices y un sello distinguido e inconfundible. Excelente compositor, pianista, arreglista y director de la orquesta, “Duke” (a la derecha) ha obtenido éxitos tan numerosos y variados que escaparían a cualquier catálogo. Compositor por excelencia, ha escrito innumerables canciones, instrumentales y comedias musicales que nunca pasarán de moda.

DAVE BRUBECK (enfrente, con Mulligan) tal vez el más célebre pianista de jazz del mundo, disolvió hace poco su cuarteto, formado diez años antes, para dedicarse por completo a la composición. Sumamente popular en México, formó un nuevo conjunto especialmente para sus presentaciones en México. Nacido en Nueva York, GERRY MULLIGAN (saxofón) hizo un brillante debut en la orquesta de Gene Krupa, hacia los años 40. Compositor y arreglista de gran talento, es reconocido en el mundo entero como uno de los artistas que más han contribuido a la evolución del jazz moderno.

HERBIE MANN (abajo, izquierda) se ha distinguido como impulsor de la flauta y la música étnica en los repertorios y conjuntos de jazz y bossa nova. En 1960 recorrió Africa en compañía de sus músicos Roy Avers, Warren Sharreck, Bruno Carr y Mirislav Votons. La vocalista CLEA BRADFORD ha alcanzado, en poco tiempo, extraordinaria popularidad, y es perfecta presencia en este espectáculo. Según las críticas tiene un oído tan musical como Sarah Vaughan y una voz tan límpida como Ella Fitzgerald. En unión de Earl Hines hizo una “tournée” por la Unión Soviética.

GEORGE WEIN (enfrente arriba) parece poseer toda clase de talentos. Excelente pianista de jazz, es también dinámico organizador que inició en Newport (1954) el Festival que lleva el nombre de esa ciudad, y ha seguido manteniéndolo como el suceso anual más importante del jazz, de capital resonancia en el Continente Americano. En su presentación en México contó con la colaboración del Quinteto encabezado por JULIAN “CANNONBALU ADDERLEY (enfrente, abajo, izquierda), uno de los conjuntos que más y mayor popularidad han alcanzado en los últimos años.

WOODY HERMAN (abajo) ha sido, desde los años dorados de las grandes orquestas de la década de los cuarentas, en que dirigió bandas tan populares como su famoso “Tercer Rebaño”, uno de los nombres sobresalientes del jazz americano. Muchas de las actuales estrellas del jazz: se “graduaron” en los diversos conjuntos encabezados por Woody. Gran clarinetista, formó recientemente un nuevo “herd” (rebaño) que, al decir de los críticos y de él mismo, es el mejor que ha tenido. Con este conjunto se presentó en la Ciudad de México y otros sitios del país,

LOS SWINGLE SINGERS (enfrente). A pesar de su nombre (tomado de su director, Ward Swingle), este célebre conjunto, que canta Bach en jazz, es francés. Se formó en noviembre de 1962, cuando los cantantes que lo integran, ara aumentar su agilidad vocal, se entrenaban con preludios y Fuga del músico que más admiraban: Juan Sebastián Bach. Sin darse cuenta, le daban a estas obras un ritmo de jazz. ¿Por qué, entonces, no añadir al conjunto contrabajo y batería? Grabaron entonces varios discos con éxito y en mayo de 1964, el presidente Johnson los invitó a dar un recital en la Casa Blanca. Ward Swingle fue el pianista acompañante de Zizi Jeanmaire urante cinco años dirigió la orquesta de los ballets de París de Roland Petit. Entre los integrantes de los Swingle está Christiane Legrand (enfrente, abajo, izquierda). TRIO JACQUES LOUSSIER “PLAY BACH” (derecha). Deseoso de legar un nuevo sonido y una técnica diferente, Jacques Loussier concibió arreglos originales de obras de Bach que permitían que un trío Integrado por piano (que él toca), contrabajo y batería, se expresara en conjunto y a la vez en forma individual. Además compone para cine, televisión, ballet y teatro. Su contrabajo, Pierre Michelot, obtuvo en 1962 el premio Django Reinhardt otorgado por la Academia de Jazz de París. En 1949 participó en el Desfile Internacional de Jazz: con Don Byas. Christian Garros, el baterista, debutó con el Quinteto del Hot Club de Francia con Django Reinhardt y estudió con Jacques Hélian. Además de su presentación en Bellas Artes, el Trío Jacques Loussier ofreció un concierto en el Museo de la Ciudad de México.

COMPAÑIA JACQUES MAUCLAIR. En el Teatro Jiménez Rueda, la compañía tomada y dirigida por Jacques Mauclair presentó dos programas de homenaje a Eugene lonesco quien, como personaje de sus obras, las observó de cuerpo presente: “El rey se muere”, “la lección” y “las sillas”. Las dos últimas figuran ya como piezas de repertorio clásico, y “El rey se muere” tiende a abandonar el carácter de “vanguardia` que preside a toda la producción de lonesco en su estricto momento de origen para alcanzar idéntico rango. Jacques Mauclair y los actores que integran su compañía, ofrecieron las más elocuentes puestas en escena y nos permitieron abordar un mundo que, a fuerza de repetidos lugares comunes, se creía limitado y hasta encerrado en calificativos menores. Tsilla Chelton, primera actriz de la Compañía, ha estrenado varias obras de lonesco, entre ellas ‘Las sillas”, “Víctimas del deber” y “Jacobo o la sumisión”, pero también es intérprete de Shakeaspeare y de Brecht, entre otros dramaturgos. Jacques Mauclair, por su parte, es especialista en lonesco pero también se permite dirigir a Pirandello. “Mauclair y yo -ha declarado lonesco- hemos librado batallas bastante duras. Pero con él me siento seguro. Pase lo que pase, él conserva la fe. Su optimismo y su valor son inquebrantables. Así continuaremos. No hay remedio. Continuaremos mientras sigamos haciendo teatro. Estamos unidos”.

TEATRO LABORATORIO DE GROTOWSKI. Jerzy Grotowski nació en 1933. Completó sus estudios teatrales, realizados en el Conservatorio de Cracovia, en Moscú, en China y otros países. En 1959 toma la dirección del Teatro Laboratorio, y desde el comienzo considera la puesta en escena como una actividad autónoma en la que el espectáculo debe tener primacía con respecto al texto. Se interesa cada vez más en el problema del actor y considera que lo esencial es lo que el actor quiere expresar; la técnica debe tener sólo un papel secundario. Para él, el teatro no es la literatura -siendo ésta tan sólo la fuente de inspiración- ni siquiera la puesta en escena; es ante todo la relación actor-espectador. Por su sola presencia, el público, de hecho, se transforma en co-creador de la obra. Se puede decir que el Teatro Laboratorio es un instituto de investigación. Esta compañía se creó hace diez años en Opole, pequeña ciudad de Silesia, más tarde se trasladó a Cracovia y por fin a Breslau, su actual sede. Presentó en México “El Príncipe constante”, en la notable adaptación que hizo del texto de Calderón el romántico polaco J. Slovacki. Grotowski no se apegó al texto clásico, sino que presentó su propia interpretación de la obra. La relación que hay entre el original y su interpretación puede ser comparada con la que existe, en música, entre el tema y sus variaciones.

TEATRO NOH Y KYOGEN. El Noh, representación simbólica y refinada de los sentimientos humanos, y el Kyogen, expresión satírica y realista fueron creados entre los siglos XIV y XV por Kannami y su hijo Zeami. Con sus dioses y sus héroes históricos, la primera de estas dos formas teatrales tiene como atributos la música, la máscara y la escenografía, siendo las dos últimas invariables por tradición. Por el contrario, el Kyogen está en contacto con el diario acontecer, y basa su ironía y comicidad en las debilidades comunes a todos los seres humanos, Durante la restauración Meij (1868) Japón se interesó cada vez más por las culturas occidentales y el Noh desapareció con su protectora oficial: la aristocracia. Después de la Segunda Guerra Mundial, surgió entre los jóvenes y los estudiantes el entusiasmo por la cultura tradicional y el redescubrimiento de los valores nacionales. Por otra parte, dramaturgos, poetas, intelectuales (Yeats, Cocteau, Jean-Louis Barrault, por no citar sino unos cuantos nombres al azar) han demostrado profundo interés por el Noh, excluyendo su atractivo exótico y fincándolo en las posibilidades estéticas que encierra: un mundo sereno, abstracto, simbólico, de excepcional y sutil belleza. la famosa compañia japonesa presentó dos programas en los que alternaban, como de costumbre, dos espectáculos Noh y una pieza Kyogen en el entreacto. En la primera figuraban “El río Surnida” (derecha, abajo), “Atados a un palo” y “la princesa Aoi” (enfrente), mientras que el segundo estuvo integrado por Ia carga de] amor”, “El ladrón de melones” (derecha, arriba) y “Benkei en la barca” (derecha, centro).

PIRAIKON THEATRON. Este conjunto presentó en México algunas tragedias griegas; entre ellas “Hipólito”, Ia Orestiada” e Ifigenia en Aulide”. Su director, Dimitrios Rondiris, estudió en Berfin y en Viena. Dirigió el Teatro Nacional Griego entre los años 1946 y 1950, y de nuevo de 1953 a 1955. En este último periodo organizó el Primer Festival de Drama Antiguo en el Teatro de Epidauro. En 1957 fundó el Piraikón Theatron, que en 1960 hizo una gira por muchas ciudades europas. Desde 1961 el Piraikón ha viajado por Europa, Asia y América, y ha dado en total 515 funciones de dramas griegos antiguos. Colaboradora de Rondiris desde el principio, Mme. Loukia ha sido coreógrafa de todas las tragedias clásicas que él ha

montado desde 1957. En 1966, hizo la coreografía para Ios Persas” de Esquilo, puesta en el Festival de Vicenza, y en 1967, invitada por el Comité Organizador de los Juegos de la XIX Olimpiada, hizo la coreografía griega para el Ballet de los Cinco Continentes. Konstantino Kydoniatis es el autor de la música que acompaña el espectáculo y director honorario de la Orquesta de Radio Atenas.

LA LINTERNA MAGICA. “El nombre mismo -dicen quienes dirigen, integran y animan desde todos puntos de vista a este grupo checoslovaco- nos venía a la memoria hasta hace poco como el recuerdo de un juguete, o como los antiguos intentos para proyectar imágenes.” Estos múltiples puntos de vista configuraron un espectáculo inusitado, nuevo motivo de expresión, nuevo lenguaje, “en cuyo idioma pueden usarse las estadísticas al lado de la poesía, las imágenes fijas y las animadas, las danzas vivas y la música grabada” Básicamente, “La linterna Mágica” es una combinación de teatro y cine. Pero, al fin y al cabo, ninguno de los dos componentes tiene la misma importancia. En verdad, la función misma oscila entre ambos, pero la idea básica no reside en su suma sino en su punto crucial, en un tercer factor: el diálogo. Y el diálago, en “La linterna Mágica”, hay que encontrarlo en las diversas historias que presentan la vida cotidiana de un país hoy en día; en la combinación U foro vivo y la pantalla, los trucos, los montajes, el manejo de tiempo y espacio.

TEATRO DE CAMARA DE ALEMANIA. Bajo la dirección de Werner Kraut, Karl Vibach y Jacques Arndt, el Teatro de Cámara de Alemania presentó, en el escenario del Teatro Jiménez Rueda, 1os cómplices”, comedia en un acto de Goethe adaptada por N. Costa; la gran ira de Felipe Hotz” de Max Frisch; “La ópera de tres centavos” de Bertolt Brecht y Kurt Weill (enfrente, arriba); “El novio” de Sandy Wilson; (enfrente, abajo) “Pedrito viaja a la luna”, un cuento de Gerdt von Bassewitz; y “El gran teatro del mundo” de Calderón de la Barca (arriba), en la traducción que hizo Joseph von Eichendorff con versos libres de Hugo von Hoffmannsthal. Así pues, en estas funciones el Teatro de Cámara de Alemania -fundado en 1950 y en

parte subvencionado por la República Federal Alemana pudo ofrecernos una excelente muestra de la calidad que anima a todos sus integrantes, ya que fueron programadas obras clásicas fundamentales en la dramaturgia mundial -Goethe, Calderón- al lado de una pieza de Max Frisch -uno de los nombres más representativos de la actual literatura en alemán, tanto en la novela como en el teatroy 1a ópera de tres centavos” en la que la conjunción de Brecht y Weill ha dado por resultado una de las obras maestras de nuestro tiempo.

TALLER DRAMATICO DE CUBA. El Taller Dramático de Cuba se constituyó como grupo teatral en los principios del año 1966. Sus integrantes se unieron en la común búsqueda de una idea y en la persecución de un objetivo claro y preciso: el encuentro de una forma escénica auténticamente nacional, que diera a su trabajo un sello propio y el mayor encauzamiento de la dramaturgia cubana. En México, el Taller Dramático de Cuba presentó “la soga al cuello” de Manuel Reguera Saumell, y “Aire frío” de Virgilio Piñera. El Taller Dramático de Cuba recorrió varios sitios de la provincia y, a petición de algunos críticos, montó luego “Unos hombres y otros” de Díaz. Las piezas fueron dirigidas, respectivamente, por Gilda Hernández, Humberto Arenal y Lilian Llerena –quien mostró también sus excelencias de actriz. “la soga al cuello” plantea parte de las contradicciones que un cambio social produce in el seno de una familia burguesa. “Aire frío” muestra varias etapas en la vida de una familia cubana y alcanza una visión

nacional. “Unos hombres y otros” es una adaptación en los cuentos reunidos por Jesús Díaz en “los años duros”. LA CUEVA DE SALAMANCA. La dirección de esta obra de Juan Ruiz de Alarcón fue encomendada a Héctor Mendoza, quien ha otorgado nueva vida a los grandes clásicos. La escenografía y el vestuario estuvieron a cargo del pintor argentino Kasuya Sakai y la música fue escrita por Carlos Lyra, uno de los principales renovadores del bossa nova. Un excelente conjunto de jóvenes actores integraron el reparto (enfrente, izquierda, Sergio Mainer en el papel de Enrico). LA CELESTINA. La obra de Fernando de Rojas fue repuesta por la compañía “Teatro Clásico de México” que hace quince años fundó el director Alvaro Custodio precisamente con esta tragedia. El papel de la Celestina fue encomendado a Virginia Manzano (enfrente, derecha), una de las actrices más relevantes de la escena mexicana, con el que consiguió un nuevo y rotundo triunfo. El actor Miguel Cárcega recibió un premio por su labor en esta obra. LA TRAGICA HISTORIA DE HAMLET, PRINCIPE DE DINAMARCA. El mismo Alvaro Custodio, al frente del “Teatro Clásica de México”, dirigió la gran tragedia shakespeareana en el magnífico escenario del Castillo de Chapultepec (derecha). A él se debe también su versión al castellano en verso blanco. El joven compositor Joaquín Gutiérrez Heras fue el responsable de la partitura musical, y Jorge del Campo encabezó el extenso reparto, en el que figuraban no pocos nombres sobresalientes del teatro mexicano.

LOS ZORROS. La tan mundialmente famosa pieza de Lillian Hellman permitió a José Solé demostrarnos una vez más que nada en todas las aguas: las tragedias clásicas, la farsa, el melodrama, la comedia de buenas costumbres. La buena puesta en escena de la obra de Heliman confirmó, además, conocer su capacidad de dirigir a varios “monstruos sagrados” del teatro mexicano: Carmen Montejo (Izquierda, arriba), Arturo de Córdova (izquierda, abajo), Marga López y Carlos López Moctezuma, “estrellas” que iluminaron una cartelera teatral con esta obra durante varios meses a la capital mexicana. MARAT-SADE. En infinita colmena, Toni Sbert, el escenógrafo de la primera representación mexicana de esta obra de Peter Weiss, situó a los asilados que observan el diálogo de Marat y Sade y que sin quererlo participan en él. La reconstrucción de un mundo verdadero y alucinante le valió a Sbert un premio por parte de quienes integran la asociación de críticos teatrales en México. A este éxito contribuyeron algunos actores: Angélica María (enfrente, arriba), Sergio Jiménez, Wolf Rubinsky (enfrente, abajo); la música que Alicia Urueta adaptó; la puesta en escena de Juan lbáñez.

El ALMA BUENA DE SE-CHUAN. Xavier Rojas dirigió y adaptó esta obra de Bertolt Brecht convirtiéndola en un espectáculo musical sin que por ello perdiera la estructura y el mensaje que la sostiene y anima. Guillermo Keys, destacado bailarín, fue el responsable de la coreografía. El papel de Shen Te fue encomendado a Virma González (arriba) por sus excepcionales dotes como intérprete de comedias musicales, género en el que sobresale. Aquí confirmó ese talento y se mostró como actriz dramática inteligente y fina.

EL REY SE MUERE. Esta obra de lonesco fue dirigida por Alexandro, polifacético director teatral que ha introducido novedades en el teatro en México. Ignacio López: Tarso (enfrente), uno de los más logrados actores del país, interpretó el papel principal, y María Teresa Rivas y Martha Navarro encarnaron con justeza la primera y segunda esposas del rey. El decorado surrealista, que mucho contribuyó al éxito de esta obra, se debió a la magnífica pintora y escritora Leonora Carrington.

PUEBLO RECHAZADO. Vicente Leñero inició su carrera de dramaturgo con “Pueblo rechazado” -testimonio candente de una particular situación de la práctica de la religión católica en el México de hoy- después de haber abordado la ficción. Su novela “los albañiles” alcanzó el premio Biblioteca Breve de la editorial barcelonesa Seix Barral (1963), distinción que lo colocó en sitio prominente dentro de las más joven narrativa mexicana. El conflicto que plantea en “Pueblo rechazado” encontró magnífica respuesta en la voz y presencia de Enrique Lizalde, (enfrente) uno de los más cotizados “galanes” de cine y televisión, pero uno de los más inteligentes y auténticos actores que integran la historia de la reciente experiencia teatral mexicana, LAS TENTACIONES DE MARIA EGIPCIACA. Basándose sobre dos líneas de un poema hagiográfico anónimo del siglo XVIII, Miguel Sabido ha creado siete tentaciones, completándolas de extractos de varios autores. El espectáculo resultó un magnífico festival en honor de la actriz María Douglas, sin duda la más espléndida figura que ha conocido la escena mexicana desde hace varios años, María Douglas (abajo, derecha) ha revivido, entro nosotros, a los más “trágicos” personajes femeninos que se han inventado para el teatro, ayer, hoy y siempre.

MEDUSA. A Emilio Carbailido se debe, en buena parte, el florecimiento de la joven dramaturgia mexicana. El vasto catálogo de sus obras teatrales -él es también novelista de primer orden y ha trabajado en varias ocasiones para el cine- se enriqueció con esta tragicomedia en cinco actos, cuya puesta en escena le valió ser considerada como la mejor obra mexicana de] año. Mercedes Pascual y Xavier Marc recibieron sendos trofeos por sus interpretaciones de Medusa y Perseo. Patrocinada por el INBA, “Medusa”, recreación del mito griego de la gorgona que vive, ama y muere, fue representada en el Teatro Jiménez Rueda y excelentemente dirigida por José Solé. MOCTEZUMA II. Al igual que Carbailido, Sergio Magaña es el “hacedor” de una nueva forma de escribir teatro en México. En “Moctezuma lI”, una de sus primeras y más logradas obras, Magaña relata la tragedia de un hombre que no conoció su tiempo y, por tanto, fue destruido por los dioses; la imagen catastrófica en un imperio condenado a muerte. La puesta en escena fue de Alexandro mientras el papel de Moctezuma lo desempeñó el gran actor Ignacio López Tarso (derecha).

PRIMER FESTIVAL DE TEATRO NUEVO DE LATINOAMERICA (enfrente). Este Festival tuvo, como propósito esencial, el de dar a conocer en México algunas obras significativas de la dramaturgia latinoamericana y establecer posteriormente una escena permanente. Las obras presentadas fueron de Antón Arrufat, Osvaldo Dragún, José de Jesús Martínez, Elena Garro, Carlos Solórzano, Oscar Manzur, Pedro Juan Soto, Demetrio Aguilera Malta, Gustavo Andrade Rivera, Alberto Cañas, Josefína Plá, Rolando Steiner, Iván García, Román Chalbaud, Silveira Sampaio, Isidora Aguirre, Julio Ortega y Alvaro Menéndez Leal. Héctor Mendoza, Alexandro, Virgilio Mariel, Julio Castillo, Xavier Rojas y Juan José Gurrola se encargaron de dirigirlos. El festival fue coordinado por el crítico y dramaturgo Carlos Solórzano. CEMENTERIO DE AUTOMOVILES (derecha). Esta pieza de Arrabal, presentada por el Teatro Estudiantil -grupo de jóvenes artistas que según el dramaturgo Héctor Azar buscan establecer una comunicación directa con un público cada vez más conocedor-, obtuvo el premio como la mejor obra de teatro del año concedido por la Asociación de Críticos. Asimismo, reveló a Julio Castillo como un excelente director, dueño de una poderosa imaginación y de extrema sensibilidad para manejar a los actores. La escenografía fue de Félida Medina y hubo filmaciones de Marcelo Segberg.

NILO, MI HIJO (enfrente, arriba). Pieza de Antonio González Caballero. Director: Luis Aragón. Escenografia: Benjamín Villanueva. La obra aspira a convertirse en un estudio antropológico y a poner en claro por qué se nace, por qué se vive, por qué se muere. Nilo fue encarnado por Miguel Cárcega. ENTRETENIENDO Al SR. SLOANE (enfrente, abajo, izquierda). Esta obra de Joe Orton fue presentada en el Teatro de] Granero bajo la dirección de Xavier Rojas y con escenografía de Julio Prieto. Jorge del Campo, Carmen Sagredo y Farnesio de Bernal encabezaron el reparto. LOS MOTIVOS DEL LOBO (enfrente, abajo, derecha). El dramaturgo Sergio Magaña dio otra vuelta de tuerca a la condición humana, encerrando a los habitantes del mundo en el sofocante ámbito de un hogar sin posibilidad de salida. La obra encontró un co-autor en la dirección dé Juan José Gurrola. UN FRAGIL EQUILIBRIO. Rafael López Miarnau puso en escena esta obra de Albee con la participación estelar de Emma Teresa Armendáriz (derecha, arriba), actriz que siempre se ha mostrado inteligente y sensitiva. En otros papeles: Pilar Pellicer y Carlos Ancira. ¡A TI, HOMBRE ... ! (derecha, abajo), El mismo López Miarnau, al frente de “Teatro Club”, presentó una selección de textos de “El testimonio”, de Peter Weiss, aunada con la obra en un acto “Dutchman” de Leroi Jones.

EL ULTIMO PRESO. Conocido como autor de “Tango”, Slawomir Mrözek lo es también de “El último preso”, obra en la que nuevamente la realidad se deforma gracias a un punto de vista que no vacila en caer en lo grotesco. La dirigió Humberto Proaño en el Teatro Comonfort (izquierda, arriba). I. MUSICISTI (izquierda, abajo). Esta compañía de músicos argentinos ha incursionado por todos los géneros, siempre en busca de una respuesta que, al través del humor, de una sana ironía, otorgue explicación a la realidad cotidiana. El TRICICLO (enfrente, arriba). Con esta pieza, Arrabal -autor discutido, si los hay- vuelve a permitirse y a permitimos la contemplación de la existencia como un juego en el que nada pasa porque sucede todo. Fue presentada por la Compañía de Arte Dramático de la Universidad Veracruzana. SILENCIO POLLOS PELONES, YA LES VAN A ECHAR SU MAIZ (enfrente, abajo, izquierda). Nuevamente subió a escena esta divertida farsa de Emilio Carballido, bajo la dirección de Dagoberto Guillaumin y la asistencia coreográfica de Guillermina Bravo. Hay canciones apropiadas de Rafael Elizondo. IN PIPILTZINTZIN 0 LA GUERRA DE LAS GORDAS (enfrente, abajo, derecha). Cronista de la Ciudad de México, excelente poeta, Salvador Novo no ha dejado de incursionar por el teatro. En estos últimos pasos nos traduce un divertido y azaroso episodio ocurrido en el mundo prehispánico.

EL DIA DEL JUICIO (izquierda, arriba). El autor de esta obra, Rafael Solana, es también novelista, poeta, crítico, ágil y muy leído periodista. En “El día del Juicio” reúne a muchos de los sobresalientes monstruos sagrados que ha dado la humanidad en el jocoso momento que clausura el mundo. LOS MAXIBULOS (izquierda, abajo). la obra de Marcel Aymé fue traducida, adaptada y dirigida por Gilbert Amand. Se presentó en el Teatro Reforma con la compañía que encabeza Miguel Cárcega al lado de Bárbara Gil. LA HIGIENE DE LOS PLACERES Y DE LOS DOLORES (enfrente). En el Foro Isabelino del Centro Universitario de Teatro, Héctor Azar preparó un amable coctel a base de pocos textos clásicos y de muchos clisés escénicos aprovechando la abundancia de talento de sus múltiplesactores.

BALLET DEL SIGLO XX DEL TEATRO REAL DE LA MONEDA (Bruselas). El Palacio de los Deportes, especialmente diseñado y construido para los Juegos de la XIX Olimpiada, fue espléndidamente inaugurado con el “Ballet del Siglo XX”, formado y dirigido por Maurice Béjart (abajo derecha). En esta ocasión, el Palacio de los Deportes fue el exacto escenario para representar el “Ballet de la Paz”, que fue concebido a partir de la “Novena Sinfonía” de Beethoven. No se trata -confiesa Béjart- de un ballet en el sentido con el que generalmente se le designa, apegado a una partitura que es una de las grandes cimas de la música, sino de una profunda participación humana a una obra que pertenece a la humanidad entera y que aquí no sólo está tocada y cantado sino también bailado, tal y como sucedía con las tragedias griegas o con las manifestaciones religiosas primitivas. Obra colectiva, dicho sea en el más amplio sentido de esa acepción, verdadero ballet de masas, el del Siglo XX anhela la comunicación, la solidaridad. Maurice Béjart las ha encontrado en sus bailarines y en el público. U Palacio de los Deportes el conjunto pasó al Teatro de Bellas Artes y aquí nos dio oportunidad de ver que “el baile -según Béjart- revela una triple calidad: pureza de las líneas, hazaña deportiva, pensamiento matemáticC. Y después de la magna obra de Beethoven, Béjart nos confirmó la temática que preside su obra: favorecer el encuentro de la pareja, de todas las parejas, se trate de “La consagración de la primavera” de Stravinsky o del “Romeo y Julieta” inventado por Berlioz.

MERCE CUNNINGHAM Y SU COMPAÑIA DE DANZA. Peter Brook ha escrito que “el trabajo de Merce Cunningham (abajo derecha) es de la más alta calidad y de suma importancia. Busca nuevos rumbos, es libre, se encuentra abierto al juego de todas las fuerzas que los posibles participantes sienten sin ser capaces de dominarlas - sin embargo es preciso, clásico, severo. Esta es una misteriosa amalgama alcanzada por una intensa creatividad.” El grupo de Merce Cunningham ofreció tres programas acompañado por los compositores John Cage y Gordon Mumma, por el pianista David Tudor y asesorado artísticamente por Jasper Johns. En ellos, el grupo vivificó las entusiastas palabras de Brook; allí estuvieron la más alta calidad y la suma importancia de esa tarea, pero sobre todo el juego libre del que son causa y motivo, resultado e íntimo reflejo de su propósito esencial: la alabanza del cuerpo humano en el milagro del movimiento. Cunningham explica así su actitud respecto a la “representación” en danza del cuerpo humano y su colaboración con Cage, con Jasper Johns, con Rauschenberg y con los bailarines: ‘La danza para mi, se vuelve realmente interesante cuando me encuentro con algo que desconozco.”

BALLET-TEATRO DE HOLANDA (Izquierda). Desde su creación en 1959, el BalletTeatro de Holanda se ha consagrado principalmente a la promoción coreográfica, buscando el puente de unión entre el ballet clásico y la danza moderna. Su programa es muy extenso, ya que año con año presenta en once meses una docena de obras nuevas, de las cuales las mejores pasan a enriquecer su repertorio. la administración de la compañía está a cargo de Carel Birnie y Aart Verstegen; la dirección en manos de Hans van Manen y Benjamín Harkarvy; el maestro de ballet es Hanny Bournan y el director de la orquesta Zoltan Szilassy. Cuenta con veintitrés bailarines. MARTHA GRAHAM Y SU COMPAÑIA DE DANZA. “libertadora del arte”, comparada a Picasso, artista cuya influencia se ha extendido más allá del mundo coreográfico, Martha Graham (abajo derecha) está presente en la escena dramática, en el universo del diseño de la moda, en el estilo de la música, en el imprevisible -por sabido- suceder cotidiano. los premios y honores se le han multiplicado, y más aún los discípulos, los que en ella ven la mejor forma de representar la vida danzándola. En sus programas presentados en México, la Grabam fue Hécuba, reina de Troya, y la Eloísa de Abelardo.

BALLET-ESTUDIO DE PRAGA. Su creación se debe a tres amigos: los bailarines Lubos Ogoun y Pavel Smok y el critico Viadimir Vasuta. Los integrantes de la compañía se reunieron el 17 de agosto de 1964 en la sala del Teatro Municipal de Praga para el ensayo inicial. Así se formó el primer ballet experimental checo independiente, libre de las contingencias de los teatros de “grandes espectáculos” en los que frecuentemente la danza es considerada sólo como un apoyo de la ópera, opereta o eventualmente el drama.

BALLET DEL TEATRO DE LA OPERA DE DOSSELDORF. En doce años de esta Opera se ha convertido en sobresaliente centro musical: estrena doce obras por año y cuenta con un repertorio de cincuenta óperas y de quince ballets. La Compañia de la Opera de Düsseldorf trata de revivir “el teatro de la danza” y conseguir que música, coreografía y escenografía se conviertan en elementos inseparables. Y también ha logrado su objeto que se ha dicho, con justicia, que es una concepción revolucionaria de] teatro musical.

SOLISTAS DEL BALLET BOLSHOI. Esta compañía, la más grande en su género, ha dado al mundo muchas de las figuras clásicas del ballet: Paviova, Massine, Nedesha, Begdanova, Zhukov, Ulanova y muchas más. El público de México ha tenido oportunidad de conocer y aplaudir las excelencias de sus artistas en las visitas que han realizado al país tanto los solistas como el Ballet Boishoi en su conjunto. En esta ocasión, cincuenta artistas, seleccionados entre las primeras figuras de la compañía, presentaron: “El espectro de la rosa” y el segundo acto de “El lago de los cisnes”, el “Grand Pas de Deux” del ballet “Don Quijote”, los “Recuerdos” -música de Dvorak- y el “Gopak” del ballet “Taras Bulba” -recreación del ámbito propuesto por Gogol. Esas primeras figuras confirmaron, con la perfección y elegancia de su técnica, la razón por la cual fueron enviadas como embajadoras del grupo. Los solistas del Ballet Bolshoi ofrecieron diversas funciones en el Teatro de Bellas Artes y en el Auditorio Nacional.

BALLET NACIONAL DE CUBA. La primera compañia profesional de ballet en Cuba fue fundada en 1948 por Alicia y Fernando Alonso, con la colaboración M coreógrafo Alberto Alonso. La compañía, reorganizada en 1959 y auspiciada por el Estado, dentro M nuevo Gobierno Revolucionario, participó en el IV Festival Internacional de Ballet, en donde obtuvo el Grand Prix de la Ciudad de Paris. Su directora (enfrente) se inició como bailarina en los Estados Unidos, donde fundó el ballet “Caravan”, antecesor del actual Ballet de la Ciudad de Nueva York. Primera bailarina americana invitada por el ballet soviético, ha trabajado con el Bolshoi y efectuado con su compañía múltiples giras por el extranjero.

ESTRELLAS Y SOLISTAS DEL BALLET DE LA OPERA DE PARIS. El grupo está encabezado por Claude Bessy (arriba) -a quien algunos cinéfilos recordarán en “invitación a la danza”, al lado de Gene Kelly-, primera bailarina y coreógrafa de casi todas las obras presentadas por este grupo. Entre sus éxitos más sonados cuenta “Play Bach”, ballet realizado con la colaboración del Trío Jacques Loussier. Todos en el grupo estuvieron de acuerdo: imaginemos que J. S. Bach es un músico contemporáneo. ¿Qué escogerla entre sus propios temas para componer un ballet que exprese la evolución de la danza académica a la danza moderna? ... : Play Bach.” Además, Claude Bessy y este grupo presentaron otras coreografías que iban desde la “Sinfonía clásica” de Prokofiev al tango “Celos” de Jacob Gade.

BALLET NACIONAL DEL CANADA. Aunque de creación relativamente reciente (1950) este ballet ha sido, sin embargo, considerado por la crítica como un conjunto de primer orden. Celia Franca, que asumió la dirección desde sus comienzos, ha invitado a grandes figuras a colaborar con ella: Anthony Tudor, John Cranko, Kermeth McMillan, George Balanchine, Sir Frederick Ashton, Dame Ninette de Valois y Erík Bruim. Acompañado por la Orquesta de la Opera de Bellas Artes de México dirigida por George Crum, el Ballet Nacional del Canadá presentó “Romeo y Julieta “El lago de los cisnes”, “la sílfide”, “Solitario”, “Uno en cinco”, “El corsario”, “Concerto barocco”, “Don Quijote” y el segundo acto del “Cascanueces” (izquierda). BALLET DE LA OPERA DE FINLANDIA (enfrente). En 1921, este grupo debutó con la presentación íntegra de “El lago de los cisne? con la célebre e imborrable coreografía realizada por Petipa e Ivanov. Luego, ha mantenido estrechas relaciones con compañías similares e inscrito los títulos más apropiados del género en su repertorio habitual, combinando, además, los mejores rasgos de los estilos oriental y occidental. Su “primera bailarina estrella” es Doris Laine, quien ha participado en ballets creados por el Boishoi y en el Festival Coreográfico de Londres. En México, el conjunto ofreció la versión original de “El lago de los cisnes”, al lado de “Suite en blanc”, “Don Quijote” y el “Romeo y Julieta” que supo eternizar Serge Prokofiev.

20 AÑOS DE LA DANZA MODERNA MEXICANA. La Academia de la Danza Mexicana fue creada, por decreto presidencial, en 1947 y fundada por el Instituto Nacional de Bellas Artes. Su objeto fue “crear y difundir en el mundo una danza moderna de origen netamente nacional”. Estas funciones fueron, en cierto modo, una confrontación de lo que se hizo en aquel entonces y de lo que se hace ahora a partir de los mismos ballets. No de otra forma se contraponen Ana Mérida (enfrente), intérprete de ‘La luna y el venado” de Mabarak, con la bailarina Rossana Filomarino que hoy la recrea (derecha, abajo). Entre los presentados en este recuento y balance figuran algunos ballets clásicos mexicanos dentro de su eterna modernidad: “Zapata” y 1a manda” y coreografías de Bravo, Reyna, Lavalle, Keys, Flores y Arriaga.

III FESTIVAL DE LA DANZA PROFESIONAL, CLASICA Y CONTEMPORANEA. Este evento reunió a los tres grupos que hoy en día dignifican y definen al género en México: Ballet Independiente (enfrente, izquierda), Ballet Nacional (enfrente, arriba, derecha) y Ballet Clásico (enfrente, abajo, derecha). Los tres tienen cosas que decirnos y lo hacen con su particular lenguaje, con una manera de bailar que los caracteriza aisladamente y los reúne en propósitos, en el ideal de hermosura que es la danza misma.

CONJUNTO COREOGRAFICO “ORCHISIS”. La directora de la compañía, Zouzou Nicoloudi, declaró: “Nuestra compañía espera, gracias a profundos estudios musicales, fonéticos y plásticos, dominar estos tres medios de expresión. No pretendemos realizar una tragedia antigua, mucho menos una representación teatral. Se trata de un espectáculo experimental en el que el elemento principal, la danza, se asocia estrechamente a la palabra y a la música.”

ANTONIO Y SUS BALLETS DE MADRID (enfrente, arriba). “No es cuestión ahora de escribir a estas alturas, ha dicho el crítico español Ramón Pujol, el valor y la personalidad de Antonio, pero si cabe afirmar que es el baile español llevado a su expresión puramente clásica. Baila con ‘duende’, que no se aprende ni se compra en ninguna academia.” SONIA AMELIO Y SU BALLET DE CAMARA (enfrente, abajo). Bailarina y crotalista, Sonia Amelio ha logrado ver que una de sus más caras aspiraciones ha podido lograrse desde que estudiaba en el Conservatorio Nacional de Música en México: la creación de un cuerpo de ballet al través del cual pudiera expresarse plenamente. RAFAEL DE CORDOVA (derecha). Nacido en Buenos Aires, de padres españoles, formó 9n España su propia compañía y para ella hace todas las coreografías y monta los bailes, Se le considera hoy como el bailarín y coreógrafo español de más porvenir. En sus ballets, Rafael de Córdova propone siempre un “estado de ánimo español” que supera la anécdota folklórica. Es una gran figura de la danza, por su facultad y estilo.

BALLET OLIMPICO IDLA DE SUECIA (enfrente). El ballet “atlético-rítmico” no es tan sólo expresión de belleza, sino un arte funcional y constructivo, El coreógrafo Ernest ldlä nació en 1901. Su arte, en el que los elementos descriptivos y decorativos se han relegado a un segundo término, han liberado a las jóvenes suecas del Ballet ldlä de las doctrinas convencionales, para hacerlas crear una danza pura y abstracta que es fiesta del movimiento. BALLET DE LAS AMERICAS. La compañía del Ballet Folklórico de México, y su directora Amalia Hernández, presentaron nueve espectáculos con coreografías basadas en temas de otros tantos países latinoamericanos. El objetivo era, pues, crear un “Ballet” que sirviera, a la vez, de lazo de unión y de motivo de conocimiento entre esas naciones, pueblos y costumbres. Para su realización, se envió a distinguidos coreógrafos mexicanos a estudiar os rasgos sobresalientes del riquísimo folklore de cada país, bajo la asesoría de investigadores especializados. Evelia Beristáin se encargó del Ballet de Venezuela (derecha). Esta coreógrafa eligió la Noche de San Juan, fecha de celebración de una fiesta muy importante entre la población negra y mulata del litoral venezolano. El ballet constó de seis números: “Fulia”, “Recolección de matas y yerbas en la madrugada del día de San Juan”, paseo con el canto del Ave María”, “El sangueo del santo”, “La procesión”, “las sirenas”, “Baile del tambor redondo”. El carnaval de Panamá ha sido tomado como pretexto para reunir varias danzas vernáculas de ese país. Durante estas fiestas, todo el pueblo participa sin distinción de clases sociales. La gente sale a la calle a bailar al son del tambor, siguiendo la voz de la cantante principal. Para cada ocasión se escriben especialmente unas décimas que corea el público. .En el carnaval no están ausentes las danzas campesinas que, por su tono melancólico, contrastan con el ritmo vivo de los tambores. El Ballet de Panamá (enfrente, arriba) fue encomendado a Aurora Agüeria, quien contó con la asesoría técnica de Magali Miro. Por su parte, Rodolfo Reyes fue el coreógrafo del Ballet de Cuba (enfrente, abajo) formado por tres partes la primera reproduce una ceremonia de iniciación que aún se practica en toda la isla. Se compone de un “Baño lustral en el río

de Ochún, deidad dueña del oro. Corte del cabello de la iniciada. Matanza de animales expiatorios. Recolección de las hierbas sagradas. Pintura ritual sobre el cuerpo de la iniciada. Descenso de los dioses y baile ritual con la nueva santera.” A esta Misa Yoruba sigue un Misterio Abakúa y una Comparsa de Carnaval que se celebra el 6 de enero, día de gracias para los esclavos. El café, principal riqueza de Costa Rica, y su cosecha constituían el tema del ballet que representaba a este país (derecha). Martha Bracho fue su coreógrafa. En él podíamos asistir a la celebración de una boda después de la pizca; los novios recibían regalos y bailaban con los campesinos. Roseyra Marenco, con la asesoría técnica de Beatriz Duarte, elaboró el Ballet de Argentina, que contó con un vestuario diseñado por Luis Diego Pedreira y un arreglo musical de Waldo Belloso. En él se reunieron los elementos más expresivos del folklore argentino: la “Zamba”, en la que el juego del pañuelo es fundamental; el Tericón”, danza de conjunto, rioplatense, quizá una de las más representativas de Argentina y descendiente directa de la contradanza europea; el “Malambo”, la más difundida en todo el país. El Ballet de Argentina (enfrente, arriba) estuvo presidido por unos versos tomados del Vartín Fierro”. Guatemala (enfrente, abajo) quedó representada por los bailes que invocan a Pascual Abajo, pequeño dios del Destino, adorado por los indígenas mayaquichés de la región de Chichicas tenango; los dirigió el bailarín, coreógrafo y actor Farnesio de Bernal. Con la asesoría de la Dra. Julia Elena Fortún y con una versión musical de E. Palomino, sobre temas de Tiburcio Gutiérrez, la coreógrafa Guillermina Peñaloza montó el Ballet de Bolivia (derecha, arriba), que muestra a los mineros de Ororu, ciudad del altiplano andino, adorando a un dios prehispánico llamado Supay (diablo en quechúa), cuya morada son las entrañas de la tierra. “El dorado” baile de Colombia (derecha, abajo) con coreografía de Josefina Lavalle y música del compositor mexicano Rafael Elizondo, relata la aparición, bajo la forma de un aerolito, del Dios del Oro en la cordillera andina. Amalia Hernández hizo el arreglo coreográfico para ‘La Danza de los Quetzales” de Puebla, que representó a México en este espectáculo. Esta antigua danza tiene su origen en la leyenda del quetzal, ave mítica

centroamericana que los indígenas consideraban sagrada. El gran tocado de Moctezuma fue hecho con 24 largas plumas de las colas de los quetzales. Las coronas emplumadas tienen casi dos metros de diámetro.

BALLET AFRICANO. Este conjunto es una auténtica expresión folklórica del Continente Negro. Sus 46 cantantes, bailarines y músicos crearon un emocionante cuadro del alma U pueblo. Keita Fodeba, fundador del Ballet Africano y actual Ministro de Defensa de la República de Guinea, trasladó al escenario la pasión cotidiana por la danza, arrancó de la vida diaria la bárbara sencillez del tamtam y recreó sobre los tablados la musicalidad transparente de todos los días. Sus diferentes escenas revivieron las leyendas históricas, los dioses y el destino, las proezas y el ardor de los guerreros, los presagios, la música, el amor y la muerte. Cuando danzan los artistas, la música y el movimiento hablan de su pasado, sus costumbres, sus tradiciones, sus aspiraciones humanas.

BALLET BAYANIHAN. La palabra “Bayaníhan” evoca una antigua y hermosa tradición fílipina que permite a individuos y a grupos unir sus esfuerzos y recursos para llevar a cabo alguna pesada tarea comunal. La compañía respeta tanto esta tradición que en el Bayanihan no existen primeras figuras, sino que todos son iguales, porque la estrella de la compañía es Bayanihan. El interés por el folklore filipino despertó en 1920, impulsado por el rector de la Universidad de las Filipinas, Sr. Jorge Bocobo, y por la Sra. Francisca, Reyes Aquino, profesora de Manila; ellos elaboraron, en la Universidad para Mujeres de las Filipinas, un programa para conservar la música y las danzas del país, por medio de recitales y concursos. En 1957 el gobierno filipino envió al Japón un grupo que presentó varios espectáculos, y al año siguiente se creó la Bayanihan Folks Arts Association para financiar sus actividades. En 1958 el ballet Bayanihan representó a su país en la Exposición de Bruselas, y dio también exhibiciones en Bangkok, Roma y Barcelona.

BALLET FOLKLORICO RUMANO ‘COCIRLIA” (arriba e izquierda). Estas danzas, acompañadas por “extraños y maravillosos instrumentos”, dan gran importancia al vestuario cuya riqueza y variedad son únicas en el mundo. BALLET FOLKLORICO ZHOC (enfrente), conjunto emérito de la República de Moldavia, tomó su nombre de festivales populares de esta región de excepcional riqueza folklórica.

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FESTIVAL INTRNACIONAL DE LAS ARTES El Instituto Nacional de Bellas Artes, en estrecha colaboración con el Comité Organizauor de los Juegos de la XIX...

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